incertains regards

n° 2 | Figures du désordre sur la scène contemporaine (2013)

2024-09-13T10:44:49Z

La scène au carrefour de mutations violentes

Parution 2013,
sous la direction de Yannick Butel & de Louis Dieuzayde.
aux Presses Universitaires de Provence.

Avec un CD : enregistrement de la pièce audiophonique « À bouche que veux-tu », écrite à partir de fragments de Mort à crédit de Louis-Ferdinand Céline (Gallimard), précédée d'une analyse critique de Marie-José Mondzain.

ISBN : 978-2-85399-859-8
Édité par les Presses Universitaires de Provence
Distribution SODIS : F188993
Date de dépôt : 2013-01-03
Prix TTC : 15 €
Nombre de pages : 120

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L'ouvrage est également disponible dans les librairies en ligne suivantes :
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Le plateau du théâtre, aujourd'hui, comme lieu des métamorphoses brutales et de mutations violentes, carrefour de langages qui se télescopent et construisent des amalgames de signes imprévisibles et inattendus. Le théâtre comme expérience qui donne à voir et à entendre aussi bien des mondes informes que des mondes en formation et en déformation compréhensibles, sensibles, énigmatiques. Entrée dans l'univers des hybridations, la scène déjoue les attentes du public, se défait des répertoires, des pratiques et promeut un langage propre, singulier et à la marge fait d'héritages et de frontières dépassés.

Ce numéro 2 d'Incertains Regards questionne ainsi les figures du désordre (scénique, textuel, sonore, « actorial »…).

Elle les donne à entendre en joignant une pièce audiophonique enregistrée « À bouche que veux-tu », écrite à partir de fragments de Mort à crédit de Louis-Ferdinand Céline, précédée d'une analyse critique de Marie-José Mondzain.

Ce numéro est accompagné d'une pièce audiophonique, A bouche que Veux-tu !, un montage de fragments de Mort à crédit de L.F. Céline, introduit par une analyse de la philosophe Marie-José Mondzain.

Cette pièce a été créée avec les étudiants de la section Théâtre et a été jouée au Théâtre Antoine Vitez le 21 mai 2012. Voir la page du spectacle

Sommaire du numéro :

Préface :
— Les figures du désorde (Yannick Butel, Directeur scientifique de la publication)
Dramaturgie : l'enjeu
— Un passage à tabac des âmes. (Louis Dieuzayde, Maître de conférences en études théâtrales, Aix-Marseille Université)
Dossier : La voix est libre
— Chronologie (André Derval, Directeur des collections de l'IMEC, Institut Mémoire édition contemporaine)
— « La débâcle - marmelade », approche de Mort à crédit... (Marie Hartman, Maître de conférences en Littérature, Université de Caen Basse-Normandie)
Critiques lecteurs/spectateurs
— Liddell et Folguera : écritures mutantes et scène périssable ... ou de quelques « furies
» de la scène madrilène (Cristina Vinuesa Muñoz, Docteur en études théâtrales, département de Philologie française, ATER à l'Universidad Complutense de Madrid (UCM)
— perVERSIONES (2011) Concert-performance pour une voix et un piano de Fátima Miranda Christine Esclapez, Professeur des Universités en Musique et Musicologie,
Aix-Marseille Université
— CHTO ou le visage fantôme : une géographie de l'égarement (Marion Chénetier-
Alev, Maître de conférences en études théâtrales, Université François-Rabelais de Tours
— Dés-ordre en actes : une poésie hors d'elle. (Gilles Suzanne, Maître de conférences en Sciences des arts, Aix-Marseille Université
— L'époque des mises en scène du monde (Olivier Saccomano, metteur en scène, Docteur en études théâtrales, PRCE, Aix-Marseille Université
— « entre aa et bb il y a qui » : Dialectique de l'ordre et du désordre dans le théâtre d'André Benedetto (Olivier Neveux, Professeur des universités, en Histoire et esthétique du théâtre, Université Lumière Lyon 2
— Macaigne : esthétique de l'attentat, logique des magmas. (Yannick Butel, Professeur des universités en études théâtrales, Aix-Marseille Université)
Arts de la scène : la librairie
— Jeu / désordre / réel. Une pensée des intervalles. A propos de Qu'est-ce que le théâtre
? Marielle Pélisséro, doctorante en Arts du spectacle à l'Université Paris-Ouest Nanterre,
chargée de cours en études théâtrales, Aix-Marseille Université
Espace sonore : pièce audiophonique (enregristrement sur CD inclus dans la revue)
– A bouche que veux-tu , à partir de fragments de Morts à crédit de Louis-Ferdinand Céline, éditions Gallimard.

— Avec la participation et la voix de la philosophe Marie-José Mondzain
— Les voix : les étudiants de la section théâtre d'Aix-Marseille : Mohamed Abdou Abdallah, Anne-Sophie Derouet, Sara Formosa, Julien Gourdin, Isabelle Lorenzi, Calypso Pellae, Julia Pellissier, Julie Raineri, Léa Zéhaf
— Mise en scène et dramaturgie : Louis Dieuzayde, Maître de conférences en études théâtrales, Aix-Marseille Université
— Assistanat à la mise en scène : Pauline Estienne, Sébastien Mabille et Anaïs Plasse
— Création sonore : Jean-Noël Beyssier, Benjamin Duprat

n° 1 | Écriture contemporaine & dispositif (2011)

2024-09-13T10:44:49Z

de la plasticité de l'écriture des textes au devenir de la scène

Parution 2011,
sous la direction de Yannick Butel & de Louis Dieuzayde,
aux Presses Universitaires de Provence.

Avec un CD : enregistrement de La Nuit arabe, de Roland Schimmelpfennig (Arche, 2002), mise en voix par Louis Dieuzayde, interprétée par les étudiants de la formation théâtre de l'Université Aix-Marseille.

ISBN : 978-2853997805
Édité par les Presses Universitaires de Provence
Date de dépôt : 29 avril 2011
Prix TTC : 15 €
Nombre de pages : 116

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A l'invitation du Salon de la revue, La Quinzaine littéraire, en partenariat avec Ent'revues et le Centre Wallonie-Bruxelles propose la 10ème édition de « La Quinzaine des Libraires » consacrée aux revues de théâtre — l'émission est consacrée à Alternatives Théâtrales, Frictions –Théâtres/écritures ; et Incertains regards. Voir ici la vidéo.

« Mutualiser les connaissances et les travaux des chercheurs où qu'ils se trouvent, et créer les conditions d'un dialogue avec tous les acteurs du spectacle vivant...
C'est sans doute cette idée qui guida l'équipe de chercheurs en arts de la scène de l'université de Provence, quand ils songèrent à la pertinence d'une nouvelle revue de théâtre. Incertains regards participera ainsi à la réalisation de cette aventure, la poursuivra aussi, et autrement, après que Pierre Voltz, Ursula Meyer et Danielle Bré ont marqué de leurs empreintes l'action théâtrale, notamment à travers la présence du Théâtre Antoine Vitez à l'université de Provence.

En consacrant ce premier numéro à « Écriture contemporaine et dispositif », Incertains Regards entend également prendre part au débat théorique qui anime les arts de la scène, les pratiques contemporaines et leurs nouveaux enjeux. D'une certaine manière, l'occasion de ce premier numéro permet ainsi de revenir et de questionner une postmodernité qui n'en finit pas de nourrir l'espace esthétique et poétique, le jeu de l'acteur et la scénographie, le regard des spectateurs et de la critique... En s'appuyant sur un territoire régional, européen et méditerranéen, chaque numéro rendra ainsi compte d'une pluralité de formes et d'expériences qui contribue à la constitution d'une communauté ; qui entretient également une diversité qui est le reflet d'une création sans cesse en quête de liberté.

De la contribution de Muriel Plana consacrée à « Puissance politique du dispositif dans Maladie ou Femmes modernes d'Elfriede Jelinek », à celle de Christophe Bident « Paysages de plus pour hommes de moins » ; de l'article d'Angela Konrad « Le montage scénique de Paysage sous surveillance ou l'affirmation du théâtre comme hétérotopie » pendant d'une mise en scène qui se tint au Théâtre des Bernardines à Marseille, à celui de Gilles Suzanne « Vous avez dit élémentaire... Agencement poétique et dispositif d'écriture : à propos de la poésie de Julien Blaine » ; du travail de lecture de Laura Foy « Poétique du numérique » à propos d'un essai publié aux éditions de l'Entretemps installées à Montpellier, à l'étude de Franck Bauchard lié à son travail de recherche à la Chartreuse Villeneuve-Lez-Avignon « Du Texte au Théâtre, De la culture de l'imprimé aux environnements numériques », de l'analyse de Julie Valéro à propos du « Tournant de la cabane (Walden), dispositif et installations dans les mises en scène de Jean-François Peyret » familier de l'ERAC, à celle de Yannick Butel qui revient sur l'une des mises en scène de la 64e édition du festival d'Avignon « Papperlapapp de Christophe Marthaler, un dispositif pour les papilles » ou du travail dramaturgique de Louis Dieuzayde « Une nuit arabe : une spectrographie critique du sujet contemporain (Essai dramaturgique) » consacré à Roland Schimmelpfennig... Chaque étude, ici, se saisit d'un motif scénique du paysage contemporain où l'écriture, celle du plateau ou du livre, libère une complexité qui exige d'être interrogée, sondée, et parfois... éclairée.

Et d'ajouter dès lors qu'Incertains Regards : le titre, vaut moins pour l'aveu d'une fragilité que pour le signe d'une conscience scientifique qui mesure qu'en matière de connaissance, la pertinence de la recherche, cet espace d'incertitude, s'établit autant sur la validité des réponses que sur la pertinence des questions.

Enfin, alors que les pratiques théâtrales ont souvent été un enjeu de société, Incertains Regards a souhaité renouer avec une pratique encore trop souvent marginale, et jusqu'à maintenant jamais tenté au sein de l'Alma mater. Chaque numéro sera ainsi accompagné de l'enregistrement d'une pièce audiophonique, réalisé dans le cadre d'un atelier étudiant de la section arts de la scène, à l'université de Provence. Ce travail, après que les éditions de l'Arche ont soutenu cette initiative, a principalement pour visée de permettre au public mal voyant d'avoir accès à des créations et un répertoire contemporains.

Ici sans doute se rejoignent et s'articulent la recherche et le quotidien dont Incertains Regards sera l'expression.

Yannick Butel directeur de la publication »

Ce premier numéro reviendra sur ce que nous avons nommé « écritures contemporaines comme dispositifs ». C'est-à-dire sur la notion de « dispositifs » qui vaut dès lors pour le syntagme qui pointe un espace (typographique, numérique, syntaxique, lexical, agencement, fable…) et dans une acceptation plus contemporaine, une configuration nouvelle où les processus de sémantisation sont parfois inattendus et nécessairement complexes. Processus qui sont interrogés aujourd'hui via le terme de « postmodernité ».

Dès lors, évoquant « les écritures contemporaines comme dispositifs », nous entendons non seulement interroger la plasticité de l'écriture des textes (la production et l'interprétation de ceux-ci participent sans doute du concept de dispositif), mais aussi celle qui confère à la scène sa caractéristique d'être une autre page où s'écrit la mise en scène

La revue propose un enregistrement audiophonique et entend ainsi participer à la construction des bibliothèques sonores. Les éditions de l'Arche ont accepté de participer à cet enjeu et ont donné leur accord pour l'enregistrement de : La Nuit arabe, de Roland Schimmelpfennig (2002)

Sommaire du numéro :

Textes

— « Une nuit arabe : une spectrographie critique du sujet contemporain (Essai dramaturgique) ».
Louis Dieuzayde, Maître de conférences en études théâtrales à l'université de Provence.

— « Du Texte au Théâtre, De la culture de l'imprimé aux environnements numériques ».
Franck Bauchard, Directeur du Centre National des écritures du spectacle de la Chartreuse Villeneuve les Avignons,

— « Le Tournant de la cabane (Walden) : du dispositif et de l'installation chez Jean-François Peyret ».
Julie Valéro, Docteur en Etudes Théâtrales, Chargé de cours à l'IET de la Sorbonne Paris III,

— « Puissance politique du dispositif dans Maladie ou Femmes modernes d'Elfriede Jelinek ».
Muriel Plana, Maître de conférences en études théâtrales à l'université de Toulouse,

— « Le montage scénique de Paysage sous surveillance ou l'affirmation du théâtre comme hétérotopie »
Angela Konrad, Maître de conférences en études théâtrales à l'université de Provence,

— « Paysages de plus pour hommes de moins » (Matthieu Mével).
Christophe Bident, Professeur d'études théâtrales à l'université d'Amiens,

— « Vous avez dit élémentaire… Agencement poétique et dispositif d'écriture : à propos de la poésie de Julien Blaine ».
Gilles Suzanne, Maître de conférences en sociologie de l'art à l'université de Provence,

— « Papperlapp de Christophe Marthaler, un dispositif pour les papilles ».
Yannick Butel, Professeur d'Esthétique et d'études théâtrales à l'université de Provence,

— « Pratique et pensée des NTIC : pour un renouveau opérationnel du concept de poétique ».
Laura Foy, Doctorante à l'université de Provence,

Pièce Radiophonique.

– Roland Schimmelpfennig, La Nuit arabe, L'Arche, 2002.

— Les voix des étudiants de licence 3 de la section « arts de la scène » de l'Université de Provence, : Fabien, Hintenoch, Iris Julienne, Nicolas Rochette, Florian Onnein, Léa Stemmel.
— Mise en scène et dramaturgie : Louis Dieuzayde, Maître de conférence en esthétique théâtrale, université de Provence.
— Assistanat à la mise en scène : Lucile Perrin, étudiante de la section "arts de la scène" (Master professionnel 2) de l'université de Provence.
— Créateurs sonores : Jean-Noël Beyssier, Benjamin Duprat

Avec le soutien de l'UFR LACS, des Presses Universitaires de Provence et du Théâtre Antoine Vitez. Remerciements aux éditions de l'Arche, à Henriette Stoffel, Nicole Mandino, à l'équipe du Théâtre Antoine Vitez et à Jean-Luc Hervé ainsi qu'aux étudiants de l'atelier 21 de l'année 2009-2010.

n° 3 | Le verbalisme : langage théâtral & déconstruction (2014)

2024-09-13T10:44:49Z

Enjeux du verbalisme sur la scène contemporaine

Parution 2014
sous la direction de Yannick Butel & de Louis Dieuzayde,
aux Presses Universitaires de Provence.

Avec un CD : enregistrement d'une pièce audiophonique, L'espace furieux, de Valère Novarina (P.O.L), mise en scène par Louis Dieuzayde, interprétée par les étudiants de la formation théâtre de l'Université Aix-Marseille.
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Numéro consacré au verbalisme scénique et à la complexité du langage. Point sur le dérèglement poétique et sonore qui, pour autant qu'il est récurrent aux pratiques du théâtre à travers son histoire, semble s'affirmer davantage ces dernières années.

Ce numéro est accompagné d'une pièce audiophonique, L'espace furieux, de Valère Novarina.

Cette pièce a été créée avec les étudiants de la section Théâtre et a été jouée au Théâtre Antoine Vitez en avril 2013. Voir la page du spectacle

ISBN : 978-2-85399-915-1
Édité par les Presses Universitaires de Provence
Date de dépôt : 16 décembre 2013
Prix TTC : 15 €
Nombre de pages : 116

Sommaire du numéro :

Préface :

— Le verbalisme sur la scène contemporaine
(Yannick Butel)

Dramaturgie | l'enjeu
L'Espace furieux de Valère Novarina

— Le théâtre de la chasse à l'homme
(Louis Dieuzayde)
— Faire lever des figures
(Isabelle Babin)

Dossier | la voix est libre

— Fonctions du verbalisme dans le théâtre contemporain
(Pierre Piret)

Critiques | lecteurs/spectateurs

— Profanation et désœuvrement : revenir à Artaud
(Alexandra Moreira Silva)
— Artaud, la voix déchue. Pour en finir avec le jugement de dieu
(Arnaud Maïsetti)
— Le théâtre d'Ingrid von Wantoch Rekowski : magnifier la musique et le geste vocal
(Catherine Bouko)
— Torticolis théâtrologique « Cachez ce linguistique que je ne saurais voir »
(Marie-M.Mervant-Roux)
— Retour sur la double fin du verbalisme. Un à-propos de la poésie concrète, spatiale, séméiotique et sonore
(Gilles Suzanne)
— La face baroque II : un théâtre de contrebande-son
(Yannick Butel)

Arts de la scène | la librairie

— Le son tabou ou l'utopie pirate. À propos de Les mots et les sons,
un archipel sonore, François J. Bonnet
(Cécile Bosc)

Espace sonore | pièce audiophonique

(enregistrement sur CD inclus dans la revue)
L'Espace furieux (extraits) de Valère Novarina, P.O.L
avec les étudiants de la section théâtre de l'université d'Aix-Marseille
— adaptation et mise en scène : Louis Dieuzayde
— assistanat : M. Charpin, F. Gamard, I. Lorenzi, R. Samperiz
— création sonore : Jean-Noël Beyssier, Benjamin Duprat

n° 4 | La plasticité du vide : espace scénique, espace poétique (2015)

2024-09-13T10:44:49Z

Aux croisements des arts : dynamisme et production de l'espace béant

Parution 2015, sous la direction de Yannick Butel & de Louis Dieuzayde, et des membres du comité de rédaction : Anyssa Kapelusz, Gilles Suzanne, et Arnaud Maïsetti.

Inclus : un CD, enregistrement audiophonique d'une adaptation théâtrale du Livre de l'Intranquilité de Pessoa (Christian Bourgois Editeur), travail conduit par Marie Vayssière et interprété par les étudiants de la formation théâtre de l'Université Aix-Marseille.
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Observant rigoureusement la ligne éditoriale et scientifique qui gouverne à l'édition de chaque numéro de la revue Incertains Regards, il fallait à l'occasion de « La Plasticité du vide » – thème du numéro 4 de notre publication – trouver à nouveau les auteurs de différents champs disciplinaires à même d'écrire et de penser cet enjeu scénographique, poétique et esthétique, commun aux pratiques artistiques et à leurs manifestations.

Scénographe exerçant dans le milieu professionnel, historiens de l'art contemporain, metteurs en scène et universitaires… ont répondu à l'invitation et nous les remercions pour leurs contributions. Au prétexte de s'aventurer dans l'espace pictural et celui des installations, d'arpenter les pratiques architecturales, d'observer le mouvement chorégraphique et les théâtralités contemporaines ou encore de revenir sur les espaces poétiques et théoriques, ce nouveau numéro d'Incertains Regards contribue au dialogue entre les arts, les met en discussion, en souligne la contiguïté théorique au point que parfois la référence épistémologique, comme l'expérience artistique, sont partageables et permettent de problématiser les pensées disciplinaires.

C'est le cas de la contribution majeure d'Isabelle Alzieu qui, historienne de l'art contemporain, livre ici à travers le dossier central une pensée indépendante et nourrissante pour les pratiques artistiques d'où qu'elles soient. Travail précis, documenté, riche en exemples pris à différentes pratiques, liant Japon et méditerranée… Le soulignement du vide comme « espace intermédiaire » et sa mise en rapport au Ma issu de la pensée orientale est des plus productifs.

À cette contribution fait écho celle d'Arnaud Maïsetti qui croise différentes lectures poétiques et théoriques au détour desquelles la plasticité du vide et le concept de « vide » sont synthétisés et livrent passage à un « plastiquage » du vide et les idées convenues qui le concernent.

Au vrai, entre ces contributions, à la marge des témoignages sincères et analytiques que sont ceux de Magali Lochon – qui revient sur son expérience professionnelle et le rapport qu'elle entretient à l'égard de la scénographie – et de Marie Vayssière qui rend hommage au groupe qui s'est retrouvé, avec elle, autour de la conduite de l'atelier consacré à Fernando Pessoa et à son Livre de l'intranquillité ; chacun des articles est une contribution singulière au thème de ce numéro.

Florence Baillet propose ainsi de regarder la Medea de Thalheimer comme relevant d'une « appréhension performative de l'espace », au point qu'elle renouvellerait notre rapport à l'Antiquité grecque. Gilles Suzanne, dans un compte à rebours qui fonde sa méthodologie, au prétexte d'une chorégraphie de Ziya Azazi, mêle réflexion théorique et conceptuelle qui lui permet de tisser les liens entre tradition et modernité dans l'espace méditerranée, portant la plasticité du vide à être la matrice d'un imprévisible, voire d'un indiscernable que son étude minutieuse conduit sur un seuil de visibilité. Porté à regarder les acteurs ou les figures chez Pesenti, Louis Dieuzayde revient sur le face à face spectateur-acteur, et cette altérité qui, dans l'instant du théâtre, dévoile, via la plasticité du vide, une dialectique de l'absence et de la présence. Et c'est encore cette dialectique de la présence et de l'absence qui est commentée par Fabien Faure alors qu'il se consacre à l'étude de quelques-unes de œuvres de Richard Nonas, en Provence, qui le conduisent à rappeler que le vide est un habité comme un imprévisible. Plasticité du vide inhérente à l'œuvre ou sentiment éprouvé par le spectateur, Anayssa Kapelusz, s'intéressant à Vifs, un musée de la personne – installation vidéographique et événement théâtral – s'inquiète du vide comme « écarts ». Du vide comme résultat de la tension et de la friction de formes distinctes convoquées dans l'instant de leur manifestation et de leur représentation.

Enfin, et c'est assez rare pour le souligner, Incertains Regards se ponctue par deux articles qui se répondent immédiatement au prétexte de penser, peut-être, le « vide critique ». Un débat, entre Joseph Danan et Yannick Butel. Discussions entre deux collègues, plus que querelle avignonnaise ou conflit... L'article de Joseph Danan « Spectateur en puissance » pointe implicitement les travers de la critique et l'article fait montre de théorisation du spectacle de Jérôme Bel Cour d'Honneur. Yannick Butel lui répond et ne pouvait qu'accepter ce dialogue dans Incertains Regards...

À « La plasticité du vide » du no 4 s'ajoutera prochainement un numéro consacré à « L'épaisseur ». Gageons que les numéros antérieurs n'en manquaient pas.

Yannick Butel

professeur des universités en Arts de la scène et sciences des arts,

Aix-Marseille Université

Sommaire du numéro :

– Préface :
— Yannick Butel : La plasticité et le vide

– dramaturgie L'enjeu
— Marie Vayssière : « Ai-je menti ? Non, j'ai compris » (Le Livre de l'intranquillité, de Fernando Pessoa)

– dossier La voix est libre
— Isabelle Alzieu : Plasticités du vide, vide exposé, vide construit

– critiques Lecteurs/spectateurs
— Magalie Lochon : Au bout du vide…
— Fabien Faure : Mind the Gap (Richard Nonas : un trou dans la sculpture)
— Anyssa Kapelusz : Du vide comme d'un écart, L'interartistique dans Vifs,
un Musée de la Personne
— Louis Dieuzayde : À sec de François-Michel Pesenti, ou l'acteur comme paysage parlé
— Gilles Suzanne : ‘Azab, le derviche et la métaphysique
— Florence Baillet : La production d'un espace performatif dans la mise en scène Medea de Michael Thalheimer : une remémoration de l'Antiquité grecque sur le mode de la « survivance »
— Joseph Danan : Puissance du spectateur
— Yannick Butel : Oui, l'œuvre d'art […] a son propre bêêê…hypothèse sur la plasticité du vide arts de la scène

– La librairie
— Arnaud Maïsetti : Régy, Beckett, Derrida – l'appel du vide ( À propos des ouvrages Espaces perdus de Claude Régy, Le Matériau Geulincx, de Samuel Beckett, Penser à ne pas voir de Jacques Derrida)

– espace sonore pièce audiophonique (enregistrement sur CD
inclus dans la revue)
— Fragments du Livre de l'intranquillité, de Fernando Pessoa avec les étudiants de la section arts de la scène de l'Université d'Aix-Marseille
adaptation et mise en scène Marie Vayssière, création sonore Jean-Noël Beyssier

Hors-Série n°1 | Le théâtre pense, certes, mais quoi, comment et où ? (2015)

2024-09-13T10:44:49Z

Parution 2015,
sous la direction de Emmanuel Cohen, Laure Couillaud et Christophe Bident.
Commander le numéro auprès des '>Presses Universitaires de Provence
ISBN : 9782853999854

Les hors séries d'Incertains Regards sont conçus et réalisés en partenariat avec des chercheurs et collaborateurs sollicités par le comité de rédaction de la revue pour répondre à des enjeux manifestes posés par les arts de la scène aujourd'hui.

Le hors série no 1 est né d'un travail commun, conduit par Emmanuel Cohen, Laure Couillaud et Christophe Bident à l'université de Picardie Jules-Verne – suite aux rencontres internationales et travaux menés à Amiens, à Nanterre en septembre 2013 puis à Aix–Marseille pour la partie éditoriale. L'ouvrage assemble ici des propositions autour d'une question posée au théâtre et aux auteurs : le théâtre pense, certes, mais quoi, comment et où ?

— Christophe Bident et Yannick Butel : Avant-Propos
— Emmanuel Cohen et Laure Couillaud : Introduction
— Bernard Baas : La scène de la voix
— Chloé Larmet Claude Régy : une pensée de la voix sur scène
— Andrew Bielski Sur le théâtre pensant : Alain Badiou et la scène soustractive
— Diane Scott Mais qu'est-ce à dire ?
— José Da Costa Débordements théâtraux : la pensée artistique du commun et du réel dans une expérience du théâtre brésilien actuel
— Cristina Vinuesa El Conde de Torrefiel ou les conséquences du fascisme
— Laure Couillaud Terrorisme d'après Laclos, attaquer la réalité
— Arnaud Maïsetti Pensées du théâtre de Krzysztof Warlikowski
— Claudine Hunault L'innocence et le plateau
— André Gardel Scène oxymorique au Brésil du XVIe siècle : anthropophagie, perspectivisme et modalisation
— Jérémie Majorel Inferno de Castellucci : tribulations d'un ballon de basket
— Christophe Bident et Christophe Triau Grüber et Les Bacchantes : l'affolement de la pensée
— Yannick Butel De la langue amère, à la langue de terre
— Emmanuel Cohen De l'expérience du spectateur à l'écriture dramatique : Gertrude Stein, élève (ennuyée) de William James
— Jade Herbulot Qu'attend-on, au juste, du spectateur ? Le spectateur comme supposition pour les metteurs en scène

Introduction –
par Emmanuel Cohen et Laure Couillaud

« Le théâtre pense, certes. Mais quoi ? Comment ? Et où ? » Cette proposition lancée comme axe de réflexion au sein du groupe de recherche Déclic-Écrit (Discours et Écrits de Cinéma : Littérature, Interprétation, Critique – Évaluation de la CRItique Théâtrale) a donné lieu à des Rencontres Internationales du même titre qui se sont tenu les 26 et 27 septembre 2013 à la Maison de la Culture d'Amiens et à l'Université de Paris-Ouest Nanterre La Défense. Les intervenants ont été invités à reprendre leurs interventions à partir des discussions suscitées lors des rencontres et à proposer un texte, ici tous rassemblés.

« Le théâtre pense, certes. Mais quoi ? Comment ? Et où ? » est un titre en deux temps. Construit sur une affirmation, il est aussitôt élargi par l'ajout d'un chantier interrogatif qui corrige, questionne ou retourne l'évidence premièrement formulée. Le théâtre habite notre pensée, la provoque, nous fait réagir. Mais comment dire ou saisir ce qui nous parvient du théâtre ? Art d'écriture et d'incorporation, le théâtre fabrique du vivant et impose des intentionnalités. Qu'est-ce que le terrain théâtral révèle de la pensée, et à travers quels outils, images ou actions ? Est-il possible d'affirmer le théâtre comme sujet pensant, sans dépasser sa réalité, sans fantasmer son nom, son rôle, son pouvoir ? L'universalité un peu provocatrice du titre nous incitait à chercher la confrontation autant que possible. Dans ces perspectives ouvertes, la philosophie ne paraissait plus suffisante pour embrasser le théâtre. Les articles réunis ici sont autant d'approches singulières, à partir du théâtre même, qui interprètent la proposition contenue dans le titre.

Si l'affirmation « le théâtre pense » existe, son origine intrigue : sans l'analyse de la parole qui l'énonce et adresse, cette affirmation est sans fondement. Les articles « Le Théâtre pensant » et « Mais qu'est-ce à dire ? » proposent deux lectures croisées de la thèse d'Alain Badiou, « le théâtre pense ». Si la proposition du titre remet en jeu l'évidence que le théâtre pense, c'est que nous avions le sentiment que cette affirmation ne peut tenir seule, qu'elle ne nous dit pas assez, qu'il lui manque quelque chose pour qu'un questionnement aie lieu.

Nous avons voulu mettre l'évidence de cet énoncé à l'épreuve d'une pragmatique du terrain : français mais pas seulement, actuel mais pas uniquement. Certains articles ont pour objet les théâtres brésilien (« Débordements théâtraux », « La Scène oxymorique au Brésil du XVIe »), espagnol (« EL Conde de Torrefiel »), polonais (« Pensées du théâtre de Warlikowski »), allemand (« Heiner Müller : Terrorisme d'après Laclos. Attaquer l'Histoire ») et français (« Le Théâtre, cette langue de terre », « Claude Régy, une pensée de la voix sur scène »). Ils ouvrent des perspectives aussi bien sur ce que pense le théâtre, que sur la façon dont il met en œuvre et en forme cette pensée.

Le théâtre est toujours aussi le théâtre de... la création de... caractérisé par l'apport théorique de... la critique de... Il n'existe pas sans un lien d'appartenance à une pensée individuelle. Ce sont à travers ces subjectivités que ces articles questionnent ce que pense le théâtre, ou ce qu'on attend de lui qu'il pense. Castellucci, Régy, Gertrude Stein, Warlikowski, Pommerat sont parmi les auteurs dramatiques et metteurs en scène qui ont retenu notre attention. Pour embrasser la question dans son ensemble, la nécessité d'ouvrir les coulisses du théâtre et d'aller voir dans les coins -plus ou moins aveugles de celui-ci s'est imposée. Car d'autres expériences lui sont irréductibles : celle des spectateurs (« Percevoir »), des acteurs et artistes (« Maintenant, c'est maintenant que je parle »). Elles questionnent aussi comment le théâtre se produit, par la voix (« La Scène de la voix), par ses objets (« Tribulations philosophiques d'un ballon de basket ») et circule (« Percevoir », « La Scène oxymorique », « Le Spectateur comme supposition »).

On pourra alors relire les articles selon une autre perspective peut-être moins catégorique que celle selon laquelle nous les avons introduits. Le domaine du théâtre est autant le domaine d'une expérience (un espace individuel et ses signes), d'une somme d'expériences, mais aussi d'une expérience en commun sinon commune. Ces articles, à leur manière, révèlent certains aspects de cette collectivité : les institutions et leurs discours, les spectateurs et leurs attentes, les professionnels du théâtre et leurs désirs.

Ce numéro témoigne de ces rapports. La lecture de l'ensemble révèle peut-être encore ceci : le théâtre est dialogues – des dialogues – il n'existe pas sans rapport entre-deux (mondes, regards, réalités). Le théâtre agit dans le domaine de la pensée, mais il en transforme les frontières.

Enfin, nous remercions les membres du groupe de recherche Déclic-Écrit avec lesquels nous nous sommes réunis de 2011 à 2013, et avec qui nous avons eu l'occasion d'affiner ce projet. Sans ces nombreux chercheurs, leurs conseils et leur soutien, ce projet n'aurait pas eu la même dimension, réunissant des chercheurs venus de pas moins de trois continents, ni la même ouverture intellectuelle, évidemment. Nous tenons à remercier tout particulièrement les intervenants pour leur participation active dans ce projet, aussi bien lors des Rencontres Internationales que pendant la réalisation de ce numéro. Nous remercions également l'université de Picardie – Jules Verne, la Maison de la Culture d'Amiens, l'université Paris Ouest Nanterre La Défense pour leur soutien financier et logistique, ainsi que l'université Aix-Marseille et les Presses Universitaires de Provence pour la présente publication. Enfin, nous tenons à remercier Christophe Bident et Yannick Butel de nous avoir permis de publier ces actes, et ainsi de pouvoir prolonger et communiquer plus largement ces recherches.

n° 5 | Penser, c'est faire des épaisseurs (2015)

2024-09-13T10:44:49Z

Plis et replis des épaisseurs de l'art

Parution décembre 2015, sous la direction de Yannick Butel & de Louis Dieuzayde, et des membres du comité de rédaction : Anyssa Kapelusz, Gilles Suzanne, et Arnaud Maïsetti.

Inclus : un CD, enregistrement audiophonique d'une adaptation théâtrale de À la Recherche du temps perdu de Marcel Proust (Gallimard), travail conduit par Marie Vayssière et interprété par les étudiants de la formation théâtre de l'Université Aix-Marseille.
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Du titre de ce nouveau numéro de la revue Incertains Regards, il nous faut sans doute dire deux mots. Du titre emprunté à Gilles Deleuze, à l'occasion de l'une des séances de Vincennes, il serait toujours possible de le justifier en rappelant que l'année 2015 aurait mérité que l'auteur de Pourparlers soit davantage célébré. L'année 2015, certes, concerne Gilles Deleuze, autant sa naissance (1925) que sa mort (1995) pour ceux qui pensent les hommages au prisme des anniversaires. Plus précis, dans ce souvenir, il eut été peut-être plus juste de convoquer le philosophe à l'endroit de quelques-unes de ses études qui feraient écho à la « célébration », le Kafka. Pour une littérature mineure, en collaboration avec Félix Guattari, publié en 1975 ou, et peut-être celui qui est à l'origine d'Incertains Regards, le Nietzsche paru en 1965.

Un aveu présomptueux éventuellement, mais que nous justifions par ce distinguo qu'il fait entre les penseurs « créateurs » (il les appellera encore les « danseurs »), et la catégorie des « porteurs » (ceux qui conservent un certain ordre de la pensée). Deux catégories que Deleuze met en perspective en identifiant que « rien n'est plus opposé au créateur que le porteur. Créer, c'est alléger [...] inventer de nouvelles possibilités de vie ».

À la fondation d'Incertains Regards, donc, il s'est agi de tenter de faire danser la pensée. Et d'avouer que la tentative de penser n'exclut pas le faux pas ou n'induit pas nécessairement une réussite. Comme le rappelle Jean-François Lyotard, « la douleur de penser n'est pas un symptôme [...] elle est la pensée elle-même en tant qu'elle se résout à l'irrésolution, décide d'être patiente [1]... ». Au mieux s'agit-il de suivre l'idée que penser c'est « être apte à accueillir ce que la pensée n'est pas préparée à penser, c'est cela qu'il convient d'appeler penser ».

Ergo, au-delà de cette précision qui renvoie à la question archéologique autant que généalogique d'Incertains Regards, consacrer un nouveau numéro au rapport que la pensée de l'art entretient à l'épaisseur, au lien que l'épaisseur induit à l'œuvre, à l'esthétique... c'était rappeler également la correspondance de pensée entre Gilles Deleuze et Les mots et les choses de Michel Foucault. Cette étude où Michel Foucault renvoie, de manière explicite, plus d'une trentaine de fois, à l'occurrence « épaisseur », et notamment à « l'épaisseur du langage ». Dans la perspective d'intervenir dans le dialogue entre Gilles Deleuze et Michel Foucault qui ne questionne pas à proprement parler l'œuvre d'art, il fut alors question de penser l'épaisseur non plus comme une démarcation ou une frontière entre ce qui aurait « une épaisseur » et ce qui n'en aurait pas. C'est-à-dire aller dans le sens d'un cloisonnement, mais tout au contraire de privilégier, dans le prolongement de leur pensée, l'idée que l'épaisseur problématise le regard porté aux œuvres à compter du moment où ce « concept » se réfère à une extension et une dilatation. Épaisseur et épaisissement en quelque sorte, manière d'étirer ou de plier, façon encore de trouver un mode d'élasticité non pas entre les choses, mais à partir des choses. Ou comment l'épaisseur – l'épaississement – est une manière de penser des zones de continuités, des espaces intermédiaires, des formes en devenir.

Aux contributeurs de ce numéro, il revenait de travailler dans cette perspective à l'aune de leurs recherches adaptées, pour la circonstance, au thème de ce numéro. Merci à José Da Costa, Anne Bégenat Neuschäfer, Guy Freixe, Guillaume Pinçon, Arnaud Maïsetti, Anyssa Kapelusz, Chloé Larmet, Jérémie Majorel, Marie Vayssière, et Louis Dieuzayde... d'avoir pris le temps d'y penser, d'avoir pris le risque de « déplier l'épaisseur » et de se départir d'un rôle de porteur.

[/Yannick Butel/]

[1] Jean-François Lyotard, L'Inhumain, causeries sur le temps, Paris, Galilée, 1988, p. 27-28. Ibid., p. 85.

n° 6 | La disparition (2016)

2024-09-13T10:44:49Z

Disparaître dans l'instant de la venue de l'écriture

Parution janvier 2017, sous la direction de Yannick Butel & de Louis Dieuzayde, et des membres du comité de rédaction : Anyssa Kapelusz, Gilles Suzanne, et Arnaud Maïsetti.

Inclus : un CD, enregistrement audiophonique d'une adaptation théâtrale de Shams de Amira-Géhanne Khalfallah (éditions La Marelle), travail conduit par Arnaud Maïsetti et interprété par les étudiants de la formation théâtre de l'Université Aix-Marseille.
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Résolument, oui « résolument » ouvert sur les pratiques contemporaines, et promettre un dialogue avec ceux et celles qui donnent au temps sa texture, ses couleurs, son rythme... Résolument soucieux de l'écriture poétique et plastique... Résolument attentif à ces archipels d'utopie que sont les territoires de l'art toujours fragiles et ses temps intermédiaires menacés nommés « expérience esthétique »... Résolument indépendant des frontières qui s'accordent mal avec la libre circulation de la pensée... seul véritablement libre-échange que ces temps flous et rugueux voudraient contrôler à l'époque du grand dérèglement... Résolument actuel, aux prises avec le quotidien, en prise avec les singularités quelconques...

Résolument, dans la parenté de l'œuvre, se tenir et devenir un « partenaire invisible » comme l'écrit Christophe Bident à propos de Maurice Blanchot, et privilégier une parole qui réfléchirait une intimité s'éloignant d'un discours de contrôle. Résolument envisager cet espace d'intimité, ce Innigkeit, dans les parages de la Parrhesia (la sincérité : ce parler vrai) étrangère au paraître. Se tenir résolument loin de « l'apparition qui, fatiguée d'apparaître, s'en tient à l'horizontale de l'apparence, piétine sur le palier de l'apparence, cette apparition (est) vouée à l'enlisement et à la futilisation, c'est-à-dire la disparition définitive dans les apparences » comme l'écrit Vladimir Jankélévitch.

Prétendre à la transfiguration du discours théorique, lui permettre d'ad-venir creusé et travaillé par ce qu'il découvre et qui découvre celui qui le tient, sans que celui-là perde l'aura dont il est peut-être le dépôt. Disparaître, en définitive, dans l'instant de la venue de l'écriture.

Si une revue est l'espace choral de voix distinctes et de regards pluriels... Si une revue n'a d'autre vocation que d'être un relai, un prolongement, un foyer de condensation de rencontres avec les œuvres de l'esprit et la pensée, ce nouveau numéro d'Incertains Regards, consacré à « La Disparition », s'est ouvert, plus qu'aucun des précédents, à la densité et à la diversité des écritures. Une variété qui, si nous devions interroger celle-là, semble correspondre à une phénoménalité darwinienne, un espace latent sensible où celui qui écrit, adapte l'écriture à la complexité de l'objet qu'il rencontre.

Adaptation qui n'est pas sans effet sur la formation du discours théorique, et qui ici, pour certains, relève moins de la disparition de la théorie que de mutations qui l'enrichissent au point de l'amener à figurer un geste d'écriture. Une écriture.

Celle de Didier-Georges Gabily qui, à travers les Fragments que nous confie Frédérique Duchêne, nous rappelle le geste mallarméen d'un « crayonné au théâtre ». Geste qui élève la critique à l'endroit du poétique. Moment où l'écriture est à pied d'œuvre. Geste poétique d'un disparu trop tôt qui, comme l'a écrit Valéry, ne sera jamais « hors de vue ».

Celle d'Arnaud Maïsetti qui, se saisissant du poème théâtral Shams d'Amira-Géhanne Khalfallah a n de lui donner la sonorité du plateau, prolonge cette histoire d'un geste dramaturgique et l'enveloppe de son regard d'écrivain.

« Au plus près des œuvres », c'est la « ligne de sorcière » d'Incertains Regards : son devenir en quelque sorte, et Gerald Sigmund s'est tenu à cet engagement qui, tout en l'amenant à théoriser le travail scénique d'artistes formés à l'université de Giessen, le conduit à livrer simultanément une intimité de spectateur. Certains diraient un « état ».

Intimité, oui, que l'on trouve encore dans le dialogue et le tête-à-tête de Louis Dieuzayde et François-Michel Pesenti où la notion d'emergence vient à augmenter celle d'apparition. Eux, parlant théâtre certes, mais parlant de l'au-delà qu'il induit lequel est parfois fait d'une violence radicale qui ré échit un enjeu vital, voire existentiel. Cet enjeu que Christophe Triau, lui, convoquant Grüber, Aillaud... déplace du côté du jeu dialectique entre « présence » et « absence », questionnant la visibilité dans le mouvement intrinséquement fusionnel de l'apparition et de la disparition.

Et parce que la revue Incertains Regards a aussi pour objet de ne jamais être étrangère à l'actualité, quatre des contributeurs livrent ici l'esquisse d'une pensée anthropologique sur la disparition. Disparition ou fragilisation de la fabrique du commun qu'induisaient a priori les œuvres entretenant le mythe du « mit sein » et qui, aujourd'hui semblent générer, auprès de quelqu'uns, des réactions vives et parfois brutales. Faisant écho aux articles qui ont précédé sur l'expérience esthétique, la critique de Marie Urban, jeune universitaire inscrite en doctorat et résidant à Berlin, souligne avec adresse le système d'analyse réactionnaire de Bernd Stegemann quant aux œuvres complexes telles qu'elles apparaissent aujourd'hui. Et cet article juste trouve des prolongements chez notre amie Nicole Colin qui, elle, introduisant la notion de Wissenstheater, interroge la scène contemporaine et ses nouveaux dispositifs qui ont rompu avec la tradition classique du jeu théâtral. Pensée chez Nicole Colin qui rappelle in ne que les arts vivants, soumis au mouvement de l'histoire, ne sont pas gés et nous ouvrent à une complexité qui, en même temps qu'elle constitue l'œuvre, a pour conséquence de réintroduire le « cours de l'expérience » pour le spectateur.

Gilles Suzanne et Yannick Butel, sans qu'ils aient convenu d'un dialogue, se répondent sur la place de l'œuvre et parfois sa disparition dans l'espace public. Le premier regardant à la loupe quelques-unes des œuvres au prisme des soubresauts qui agitent la Méditerranée s'invite dans le débat sur l'image, le pouvoir et les peurs qu'elle peut susciter, et donne à ré échir dans une conclusion suspensive sur le concept d'iconocratie. Le second s'inquiète lui de la disparition des espaces et de la négation de l'espace que forme l'œuvre. Manière d'interpeller le politique chez l'un comme chez l'autre.

Aux lecteurs, nous souhaitons peut-être simplement de lire ce nouveau numéro comme un apport et une participation aux paroles qui s'échangent dans l'espace public sur la place et la fonction de l'œuvre d'art. Une manière d'intervenir dans le débat des idées qui, alors que l'œuvre d'art n'en finit pas d'être au cœur d'échanges qui tendent à légiférer son effet, oublie de rappeler la singularité de la dimension esthétique.

Yannick Butel

n° 7 | Connexion / Déconnexion (2017) (avec une performance sonore de Julien Blaine)

2024-09-13T10:44:49Z

l'épaisseur des espaces poétiques et plastiques, foyer simultané d'infra-connexion et d'extra-connexion

Parution décembre 2017, sous la direction de Yannick Butel et des membres du comité de rédaction : Louis Dieuzayde, Anyssa Kapelusz, Gilles Suzanne, et Arnaud Maïsetti.

Inclus : deux CD,

— Une création sonore : performance inédite du poète Julien Blaine
— Une pièce audiophonique : Délivre-toi de mes désirs de Maria Velasco (interprété par les étudiants de la section théâtre de l'Université Aix-Marseille)
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French connexion ou l'exception conceptuelle

[/préface de Yannick Butel/]

« La véritable destination d'une revue est de témoigner de l'esprit de son époque. L'actualité de cet esprit importe plus, à ses yeux, que son unité ou sa clarté elles-mêmes [1]. » Walter Benjamin parlait ainsi, en 1922, de la création de la revue Angelus Novus, dans laquelle il s'investit et dont il porte le projet, mais que l'éditeur finnalement renoncera à éditer.

Dire que Benjamin aurait guidé les initiateurs d'Incertains Regards, notre revue, relèverait d'un petit arrangement avec la vérité. Dès le premier numéro, nous aurions aimé revendiquer cette filiation, ou disons-le dans un registre nous libérant des « pères », cette inscription. Il n'en fut rien et ce n'est qu'à mesure des numéros qui se seront succédés, c'est-à-dire à l'épreuve du temps éditorial et rédactionnel, que nous pouvons aujourd'hui prétendre faire nôtre la pensée de Benjamin.

Ergo, Incertains Regards, son comité de rédaction [2] et ses auteurs invités, prétend questionner l'esprit de son époque, notamment celui qui est récurrent à l'activité artistique et esthétique de ce XXIe siècle commençant. C'est ainsi une revue qui est consacrée aux formes contemporaines qui sont exposées et que rencontrent les publics. Formes, disons-nous, qui pour partie et plus qu'à une autre époque, mettent en question la communauté sensible parce qu'elles se tiennent parfois à la marge du partage, de la compréhension, de la communication, des processus de signification délivrant du sens... et qu'à ce titre-là, il s'agit d'œuvres indépassablement politiques, rompant avec la représentation (terme commun aux registres de l'art et de la politique comme par un curieux hasard).

En cela, Incertains regards a choisi, parce que la diversité des œuvres saisies lui imposait, d'être une revue universitaire qui ne minorerait pas le dialogue que les sciences cognitives et plus généralement l'épistémologie entretiennent avec les pratiques politiques, et leurs formes discursives, qui environnent l'art. Étudier l'hybridation des unes avec les autres, relever les effets de contamination entre les deux, la porosité entre l'un et l'autre, repérer dans la langue leur entremêlement et leur voisinage... donnent nécessairement à Incertains Regards une tonalité critique que d'aucuns identifieront à des positionnements idéologiques.

Ils auront raison, car parallèlement à l'esprit de la revue qui tente de « témoigner de l'esprit de l'époque », l'engagement des auteurs relève ici d'une sincérité (d'une critique) qui doit la protéger de la corruption qu'est la neutralité.

Ainsi, alors que l'université est le lieu de la transmission, lncertains Regards, tout en assurant et en assumant cet héritage, se devait, par la matière des phénomènes artistiques qu'il observe, de l'engager dans une parole créatrice sensible, et précisément dans la recherche parce que « le mot recherche est un mot qu'il ne faut pas entendre dans son sens intellectuel, mais comme action au sein et en vue de l'espace créateur [3] ».Par-là, il s'agit de garantir qu'Incertains Regards sera cette revue accueillante et disponible à toutes les formes de langage quand, les limites de l'enseignement atteintes, il n'est d'autres alternatives que de s'aventurer et de « chercher », au-delà des pratiques didactiques, un langage plastique à même de rendre l'écho incertain de l'expérience esthétique ; et par-là de la partager.

De là, sans doute et parfois, le lien à un « éclectisme universitaire » que nous revendiquons et assumons contre Edgar Morin qui s'en indignait en d'autres temps. De là, ne cachons pas ce qui est la marque de cette revue, un rapport étroit à l'interdisciplinaire indiscipliné, humus d'une diversité d'écritures critiques : à l'intérieur des contributions, entre les contributions recueillies, pour chaque numéro, et qui produit des modes de pensée empirique, acrobatique, fragile donc, parce que non antérieurs à l'épreuve qu'est la rencontre avec une œuvre. Parce que « Questionner, c'est travailler à un chemin, le construire [4] » comme l'écrit Martin Heidegger.

Le numéro 7 de la revue consacrée à « Connexion / Déconnexion » ne fera pas exception à ce mode de dérèglement où le discours tenu par les contributeurs est avant tout lié à l'exploration et la tentative de forger un langage (et donc un chemin), à chaque fois renouvelé par les objets artistiques, ou autres, à l'ombre desquels il se déploie.

Connexion / Déconnexion... ou, autant qu'un thème, il s'agissait de mettre à l'épreuve ce lexique devenu familier et partagé, relevant de différentes sphères de l'agencement sociétal : linguistiques, comportementales, organisationnelles, esthétiques... promouvant l'idée d'une époque définitivement passée à la technique et ses technologies.

Mais, et parce que l'actualité peut être un voile qui relève moins de celui de Timanthe que d'un risque d'opacification, « être connecté ou déconnecté » renvoie, et ce bien avant l'ère du numérique, à des modes d'être, à des pratiques, à des situations également... En d'autres termes, une étude diachronique de ces expressions ouvre donc sur un champ plus large que la seule appréhension synchronique. Sans pour autant remonter à la « French Connection » (appelée aussi « Corsican Connection ») qui impliquerait une étude sur le prix moindre de l'opium à Marseille en 1930 (cf. Blaise Cendrars, mentionné dans la notice Wikipedia consultée à ce sujet, aurait évalué ce prix)... Être connecté ou déconnecté trouve des charges sémantiques aussi différentes que : être en lien, faire partie d'une communauté, d'un groupe ou pas, par impossibilité ou par rejet ; être à la page ; être In ou Out , rattrapé par la désocialisation, la folie, ou se tenir à l'écart... au contraire être « branché », être en veille, etc.

À réception des contributions des auteurs qui donnent corps à ce nouveau numéro, diverses voies ont été explorées. Parmi celles-ci, les textes rendus par Louis Dieuzayde, Marta Isaacsson, Claudio Serra ainsi qu'Anyssa Kapelusz, Florent Perrier et Arnaud Maïsetti rapportent des expériences poétiques, plastiques et théâtrales où le thème de la connexion/déconnexion se trouve traité au prisme de l'analyse critique des processus de réception et de création, leur inscription dans l'espace urbain et de l'étude attentive des processus de glissement entre, disons, des objets pris au quotidien et leur déplacement vers une aire artistique...

Le regard qu'ils portent sur les œuvres conduit ainsi à matérialiser que l'épaisseur des espaces poétiques et plastiques sont le foyer simultané d'infra-connexion et d'extra-connexion, selon que l'attention s'inquiète de leur dramaturgie interne ou qu'elle devient sensible à des modes opératoires qui convoquent l'analogie, la ressemblance ou la contiguïté. Chacune des contributions rappellent ainsi, d'une manière forte, que le lieu de la scène poétique et plastique (théâtre ou espace urbain) n'est pas un horizon clos, mais tout au contraire un espace de passages qui connecte/déconnecte, dans un jeu de va-et-vient continu, le spectateur comme le lecteur, à des réalités et des virtualités que configure l'imagination créatrice ou la raison castratrice.

Ainsi Louis Dieuzayde, étudiant État Civil de Sonia Chiambretto, s'interroge-t-il sur « Comment l'écriture théâtrale se connecte aux réalités de notre temps et en forge une appréhension qui soit juste à la fois sur le plan poétique et politique ? ». Dans le même ordre d'idée, Claudio Serra, analysant la mise en scène des Trois sœurs de Tchekhov de Vincent Macaigne (2013), connecte l'incompréhensible qui semblait le fait de ce spectacle à l'épisode tragique de la mine de Germano, dans l'État du Minas Gerais en novembre 2015. Dans un voisinage qui pose explicitement l'enjeu du politique, Marta Isaacsson, à propos du metteur en scène José Celso Martinez Corrêa et de sa pièce de Os Bandidos du Teatro O cina, s'inquiète du « pouvoir politique de l'expérience esthétique (qui) est de susciter la réflexion » en convoquant les travaux du chercheur néerlandais Kattenbelt. C'est également ce souci de la politique et de l'art qui guide Arnaud Maïsetti quand il analyse de Délivre-toi de mes désirs de Maria Vélasco. Texte et pièce qu'il qualifie de « pièce des colonisations et de ces impénétrables ». Enjeu politique qui hante en définitive chacun des contributeurs prenant la parole sur des pratiques artistiques et que relaie Florent Perrier dans « Aux bords amincis de la démocratie » à propos de Street Light (2013) de Julien Berthier. Texte qui revient sur l'un des programmes culture de l'Union européenne, et notamment le projet A.C.T. DEMOC[K]RACY (Art Cooperation Transmission). Et d'ajouter que c'est peut-être dans la convocation d'une question naïve empruntée à Roland Barthes « Qu'est-ce qui se passe là ? » que Anyssa Kapelusz, qui consacre son étude à Apologies 4&5 du Vasistas Theater Group, en vient à formuler une proposition simple qui questionne le concept d'« impression », à l'œuvre dans ce monde énigmatique des connexions/déconnexions à l'art, aux pratiques artistiques et à l'expérience esthétique.

Chez les uns comme chez les autres, d'évidence le thème de ce numéro les aura conduit à l'endroit d'un rapport critique au Monde. Précisément à l'endroit où l'œuvre connectée au Monde fait de l'enjeu de la déconnexion et reconnexion une alternative à la colonisation de la pensée, aux restrictions de toutes sortes, aux réductions de tous ordres.

L'œuvre s'ouvre donc ici comme une résistance, un processus de défense ou une contre-attaque à l'hostilité, plus ou moins sournoise et/ou établie, qui a gagné le quotidien.

En écrivant « Faire et défaire le langage », Gilles Suzanne relisant et adaptant Mille plateaux, avec malice et jubilation (quand il pense la poésie), ne s'écartera pas de cette critique qui fait de la poésie une ligne de fuite, et du langage un espace complexe de résistance.

Contribution qu'il faut lire en regard de celle de Julien Blaine : auteur, écrivain, performer... « aurignacien, magdalénien, azilien de plus de 30 000 ans » (comme il se nomme au P.S. 139) qui a accepté de nous livrer pas moins de 162 post-scriptum qui sont autant de connexions/déconnexions de pensées chaotiques et insoumises, d'actes de rébellion contre un ordre de la langue établie, de soubresauts performatifs et de foudres sonores qu'il nous a été possible d'enregistrer à Radio Grenouille (cf. 7e enregistrement sonore joint à la revue). Flux de Post-scriptum qui forme les IHALI (installation humaine anonyme laissée là par inadvertance)... et les inouïs de la pensée de celui qui, depuis 1962, ajourne annuellement, et reporte quotidiennement son adieu à la performance. Merci à lui, le poète, pour cette contribution majeure qui permet à Incertains Regards d'entretenir un lien étroit à la théorisation et à la création.

Merci à lui, l'ami de Ghérashim Luca, de nous rappeler que la langue et l'écriture demeurent un moyen d'appréhension et de conquête des territoires occupés par ce qui n'est plus, trop souvent, que l'ombre du langage.

En lisière de ce numéro, il restera au lecteur à découvrir l'article d'Évelise Mendes, jeune chercheuse et metteure en scène brésilienne inscrite en doctorat à l'université d'Aix-Marseille, qui offre au lecteur une lecture croisée et critique de Milton Santos (La nature de l'espace. Technique et temps. Raison et émotion) ainsi qu'une œuvre non traduite d'Augusto Boal : A Estética do oprimado : re exões errantes sobre o pensamento do ponto de vista estético e não cientí co. Un article particulièrement scrupuleux de tisser des liens entre la pensée de Santos sur l'espace et la « contiguïté » et celle de Boal sur le concept d'une « éthique de la solidarité ». Les deux penseurs brésiliens invitant à rompre (se déconnecter) avec la pensée héritée et à s'aventurer dans la construction de nouveaux espaces symboliques et topographiques.

Soit, pour évoquer rapidement la contribution de Yannick Butel qui fait écho à cette pensée et s'engage dans une lecture critique du « cyberespace », un agir qui concernerait un rapport à l'utopie dont il rappelle que, s'il s'agit d'un lieu à venir, l'utopie est aussi et principalement un mode de discours qui fait exister dans la langue des propositions inattendues à même de transformer l'espace dialectique appauvri par « le langage clos ».

Prochain numéro sur le thème du « TRANS... ».

YB.

[1] Walter Benjamin, « Annonce de la revue Angelus Novus », Œuvres, T. 1, trad. Maurice de Gandillac, Rainer Rochlitz, Pierre Rusch, Paris, Gallimard, 2000, p. 267.

[2] Anyssa Kapelusz, Gilles Suzanne, Arnaud Maisetti, Louis Dieuzayde et moi-même (Yannick Butel) formons le comité de rédaction. Ce qui s'appelle aussi « Une bande » qui dialogue avec Jean-Bernard Cholbi (designer/graphiste) et le directeur des Presses universitaires de Provence, Charles Zaremba.

[3] Maurice Blanchot, « Qu'en est-il de la critique ? », Arguments, no 12-13, janvier-février-mars, 1959, p. 36.

[4] Martin Heidegger, « La question de la technique », Essais et conférences, trad. A. Préau, Paris, Gallimard, 1958, p. 9.

Hors-Série n°2 | Pratiques de la voix sur scène (2018)

2024-09-13T10:44:49Z

de l'apprentissage à la performance vocale

Parution janvier 2018, sous la direction de Ana Wegner, Chloé Larmet et Marcus Borja
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Faire entendre des voix

[/Préface de Chloé Larmet & Ana Wegner/]

Faire entendre des voix au creux d'une cacophonie ambiante, en publier les empreintes pour créer, peut-être, des vacuoles de silence rendant possible une réflexion sur les enjeux de la voix sur scène – depuis son apprentissage jusqu'à son écoute par le spectateur dans des dispositifs scéniques variés et complexes. Tels seraient les désirs qui motivent la publication de cet ouvrage faisant écho au colloque international « Pratiques de la voix sur scène : de l'apprentissage à la performance vocale » organisé en novembre 2015. Désir de mettre en écho pratique et théorie, de créer un espace libre de partage et d'échange, d'expérimentation, de prise de risque à partir de la notion de voix. Cette voix que nous envisageons non pas en tant que donnée brute, mais véritablement comme un élément inscrit dans une démarche pédagogique et artistique et dont la construction doit être interrogée dans son rapport à l'aboutissement (inachevé ?) que constitue la représentation théâtrale et sa perception par le spectateur. Loin de donner foi à un déterminisme, admettre un tel lien entre préparation de la voix et esthétique théâtrale ouvre au contraire un espace de création pour les artistes : la voix devient pour l'acteur comme pour le metteur en scène un outil artistique susceptible de véhiculer à lui seul une signification ; outil malléable pouvant même échapper à l'acteur. Les textes rassemblés ici se placent à l'écoute d'une telle voix pour témoigner de sa richesse et de sa complexité.

Table des matières

— Ana Wegner, Chloé Larmet : Avant-propos

La voix et le verbe | dramaturgies de la voix
— Jérémie Majorel : Voix spectrales Les Entreprises tremblées et Rester Vivant d'Yves-Noël Genod
— Pierre Longuenesse : Communauté rêvée vs collectif d'acteurs au travail. Dramaturgies de la voix de C. Marthaler et du Wooster Group dans Riesenbutzbach. Eine Dauerkolonie et Cry, Troyans
— Francesca Della Monica : Pour une dramaturgie de la voix

Incarnations de la parole
— Louis Dieuzayde : La sorcellerie verbale. Voir entre les mailles des mots et des sons
— Discussion avec Yann Boudaud menée par Christophe Triau : « Une forme de danse entre le silence et les mots » : le travail vocal avec Claude Régy
— Jean-François Dusigne : Le souffle de la parole, l'impulsion des textes

enjeux de transmission | pratiques croisées
— Kristin Linklater : Freeing the Natural Voice
— Pablo Jimenez : Transformation par le chant et la danse dans le travail de Maud Robart
— Entretien avec Maria Thais mené par Ana Wegner : La poétique vocale de la Cia Teatro Balagan
— Emma Pasquer : Du chant au dire – Technique vocale et transversalité dans la formation supérieure du comédien en France
— José Batista (Zebba) Dal Farra Martins : D'« expression vocale » à « poétiques du corps et de la voix ». Un témoignage
— Maria Isabel Setti : Déplacements – La parole en fugue

esthétiques de la voix l Dispositifs technologiques
— Yannick Butel : De la bouche mystique à la touche technique
— Helga Finter : De l'usage de la voix techniquement assistée sur scène
— Ary Giordani : Une installation pour la mémoire

Extrêmes de la voix
— Cristina De Simone : Voix en dérive. sur L'Anticoncept de Gil J Wolman
— Charles Feitosa : Esthétiques de la voix qui crie
— Arnaud Maïsetti : La voix d'Antonin Artaud. Et qui/aujourd'hui/dira/quoi ?

n° 8 | Du trans : avenir ou impasse (2018)

2024-09-13T10:44:49Z

le monde est en passe d'assumer de ne plus être autre que trans.

Parution décembre 2018, sous la direction de Yannick Butel et des membres du comité de rédaction : Louis Dieuzayde, Anyssa Kapelusz, Gilles Suzanne, et Arnaud Maïsetti.

Inclus : un CD,

— Une pièce audiophonique : Chants Barbares de D' De Kabal (interprétée par les étudiants de la section théâtre de l'Université Aix-Marseille), mise en voix par Arnaud Maïsetti
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Sommaire :
— Préface :
– trans : avenir ou impasse, Yannick Butel
— L'enjeu :
– dramaturgie : Transformer le présent, ou la transe d'un théâtre urbain. À propos de Chants Barbares, de D' de Kabal, Arnaud Maïsetti
— La voix est libre
– Devenir socle, changer de cadre. Prolégomènes pour penser l'art en espace public, Suivi d'un entretien avec Jean‐Sébastien Steil, par Marie Reverdy
— Lecteurs/spectateurs
– Arts et médiation dans le monde arabe : éléments de réflexion sur le transnational, Gilles Suzanne
– La transculturalité, ses revers, son envers. Dans Les Tribulations du dernier Sijilmassi de Fouad Laroui, Badia Mazboudi
– Une usine à travestis : le « transvécu » et la dramaturgie du témoignage, Clovis Di Massa
– « Entre les ruines » et au‐delà : interstices, fluences et trans, Anyssa Kapelusz
– Supervision de Sonia Chiambretto. Une étude théâtrale de la machine capitaliste, Louis Dieuzayde
– Droite-Gauchen le théâtre de translation de Sandra Iché, Yannick Butel
— La librairie
– Singularités du « trans » : humanisme, technologie et société. À propos de Stephen Lilley, Transhumanism and Society. The Social Debate over Human Enhancement, Springer, 2013, Dordrecht, Heidelberg, New York, London, Yvan Tina

Du Trans : avenir ou impasse ?

[/préface de Yannick Butel/]

Au tournant du xix-xxe siècle, les pratiques artistiques ont cessé pour partie d'être observables au seul prisme des genres et d'une technique spécifique. Ce que Jean-François Lyotard, parlant de la production et de la réception des œuvres d'art, soulignait en écrivant de celles-ci qu'elles étaient construites sur des « intrigues plastiques moins monnayables, racontables, signifiables [1] ».

Outre-Rhin, Theodor Adorno, le 23 juillet 1966, à l'Académie des arts de Berlin, s'était également inquiété de cet état de l'art. Dans sa conférence « Die Kunst und die Kunste [2] », aux premières lignes de son discours, il remarquait que « dans l'évolution la plus récente, les frontières entre les divers arts se fluidifient et s'interpénètrent, ou, pour dire mieux, leurs lignes de démarcation se dissolvent et s'effilochent, leurs limites se disloquent ». Enfin, il ajoutait : « Si possible, il nous faut interpréter le processus de dislocation des frontières entre les arts ». Il s'interrogeait alors sur ce qu'il nommerait également « l'éclectisme du brisé [3] ». Il avança alors le concept « d'effrangement des arts », manière, en définitive, de saisir ce qui correspondait à un « tournant esthétique ». Ces transformations et ces mutations conduiront à de nouvelles formes de perception et de réception qui, comme Walter Benjamin le souligne quand il parle du théâtre de Brecht, faisaient que dorénavant l'art « consiste à provoquer l'étonnement plutôt que l'identification [4] ». D'aucuns ont relevé cette « réalité » comme un passage de la modernité à la postmodernité, ou, disons-le autrement pour le figurer d'une manière temporelle, passage d'un avant à un après.

Ce clivage, s'il est pertinent, ne suffit toutefois pas à pointer les porosités entre les deux « époques » dont les modes relationnels ne s'inscrivent pas exclusivement dans l'opposition et la rupture.

D'un usage courant au xixe siècle et sans emploi autre que linguistique, le préfixe « trans » apparaît comme l'un des marqueurs du xx-xxie siècle, au point qu'il pourrait avoir un impact conceptuel à même de nous aider à réfléchir la complexité aussi bien en arts que dans les relations que le monde entretient à l'œuvre d'art.

Ainsi, plus personne ne s'étonne de voir apparaître des mots formés et composés à partir du préfixe « Trans », mots qui ont un rapport plus ou moins direct avec l'art. On parle ainsi de transpoétique, de transesthétique, de translinguistique, de transémiotique, de transgenre, de transculturel, de transmédial... et l'art n'étant pas étranger aux mouvements des sociétés, on voit se développer les idées de transculturel, de transnational, de transpolitique, de transcommunication, de transvirtuel, de transsubjectivité, de transfiguration, de transmigration, de transhumanisme...

Comme une contagion, comme une pandémie, le « monde est en passe d'assumer de ne plus être autre que trans ». Et chacun de ces substantifs recomposés et augmentés semble désigner une nouvelle forme, un nouvel état. C'est-à-dire, en définitive, une histoire en mouvement où un modèle historique se décompose et/ou se recompose en un modèle dérivé.

Par-là, la notion de « trans » induit l'idée d'un passage, d'un mouvement qui permet de penser un prolongement, une variation ou une mutation, une dérivation, une continuité sous une forme différente, un glissement sémiotique autant qu'une nouveauté sémantique...

Soit la représentation d'un nouveau modèle d'évolution où les figures de centre et de périphérie seraient concurrencées par des configurations qui privilégient la déportation, la translation, l'écart... à la rupture.
Éminemment politique in fine, l'usage du « trans » dans la langue induit une approche renouvelée des modes de production et des modes de perception/réception des activités humaines (et donc des pratiques et réalisations artistiques), à même les espaces et les territoires où ils s'inscrivent.

Ergo, et de la même manière que le philosophe Étienne Balibar explore localement la transcitoyenneté et la transeuropéanité dans un monde bouleversé, il faut sans doute envisager de re-questionner l'espace de l'art à l'aune du « trans ».

Que désignent ces mots recomposés à partir du préfixe « trans » ? Que signifie cette inflation du « trans » en toutes choses ?...

D'évidence, si dans un premier temps l'optimisme a pu gagner certains en présupposant un développement, une mutation, un passage ; dans un second temps, il est peut-être nécessaire d'adopter un point de vue plus critique.

Et si le « trans » était le marqueur d'une incapacité à rompre avec l'ancien, avec le passé, avec les héritages ? Dit autrement, ce que laisse entendre une société qui ne se manifeste qu'à travers le « trans » n'est peut-être qu'une société mutilée d'un « devenir différentiel » pour reprendre le concept à Felix Guattari.

Dit plus précisément, un monde qui ne se décline plus que sous ses formes « trans » n'est peut-être qu'un monde, en définitive, sans actualité, sans imagination... sans souffle, ni Geist ? Et si le « trans », donc, n'était qu'un cosmétique fardant à peine l'incapacité de trouver d'autres voies à l'esthétique ? Une sorte de béquille, en quelque sorte, qui soulignerait la difficulté du nouveau à paraître...

Du goût du vintage, de l'engouement pour le commémoratif, de la célébration, du reenactment qui sont prisés par les pratiques artistiques et qui reviennent hanter la « création », on ne peut exclure que le concept de « Trans » ne souligne, in fine, un monde en panne, une Histoire qui bégaie.
Incertains Regards no 8, consacré au thème du « Trans », ne prétend pas solder cette « mode » du trans, mais plutôt en saisir quelques traces.

D'abord avec l'enregistrement de Chants Barbares de D'de Kabal (prononcer Déprime) qui raconte l'histoire sans récit d'un peuple sans territoire qui habite les banlieues et les zones. À l'endroit des espaces transitoires pour des nomades qui s'ignorent comme le révèle le texte d'Arnaud Maisetti qui saisit, au prisme de ces contes sans fées, les modes de trans-action, de trans-figuration, de trans-cription... Dans le prolongement de ces solitudes où s'inventent des langues, Jean-Sébastien Steil et Marie Reverdy font le pari de sortir les arts de la rue de la perception anachronique que d'aucuns en auraient. Oui, au lieu même de la rue, l'art se développe, se contextualise, s'invente avec les passants aussi. Dans leur dialogue, le lecteur saisira que les protocoles immersifs, liés à la pratique artistique en milieu urbain, qui jouent de transmutation, il y a la tentative de souder des mondes qui trop souvent s'excluent. « Mondes » ou un pluriel obligatoire qui fait écho, chez Gilles Suzanne, à une réflexion qui croise esthétique et dynamiques transnationales, fantasmées ou point d'orgue de passions, notamment en Méditerranée. Soit une réflexion critique sur la pertinence de l'inscription de l'art dans des cases trop étroites, là où l'œuvre, par nature, est au-delà/trans donc. Thème que décline également Badia Mazboudi quand elle investit le champ de la « transculturalité » à l'aune du roman de Fouad Laroui, Les Tribulations du dernier Sujilmassi. Contribution où notre amie et collègue de Beyrouth questionne le métissage culturel, les représentations caduques de la transversalité culturelle, et privilégie, à partir du roman, l'histoire d'une interculturalité. Et l'on comprend, à mesure que l'on découvre les contributions de ce nouveau numéro, que si le Trans a un rapport au mouvement, il induit également un questionnement sur le positionnement, la place, l'assignation en quelque sorte. À ce titre, l'article de Clovis Di Massa, qui porte sur le spectacle Quem tem medo de travesti du collectif As Travestidas (qui met en scène des travestis), pose d'une manière incroyablement pertinente l'enjeu sociologique et donc politique de la production artistique quand elle convoque les signes totémisés de la sexualité. Article qui, en définitive, s'inquiète d'une violence réelle et scénique, et du « comment l'on regarde ? », du « qu'est-ce que l'on perçoit ? », « de quoi témoigne l'art ? » qui nous renseignent sur ce que l'on est. Et c'est également cette violence qui transite par l'art qu'étudie Anyssa Kapelusz quand elle écrit sur l'artiste libanaise Sirine Fattouh et son installation vidéographique Entre les ruines. Spectacle chorégraphique qui met en tension ce qui est à voir et ceux qui regardent. Violence qui est à nouveau interrogée par Louis Dieuzayde qui, en lecteur de Supervison (texte manuscrit à paraître) de Sonia Chiambretto, identifie celle qu'exerce le capitalisme sur la langue et la manière de syncoper la syntaxe, le lexique, la parole alors qu'il multiplie ses supports. Soit une manière de mettre en évidence une transpoétique qui atteint le sujet et le transforme malgré lui. Et d'ajouter que ces études qui, toutes, ont un rapport aux matériaux réels, aux documents qui pourraient les inscrire dans le registre des formes documentaires, sont ici problématisées. Au risque de l'invention épistémologique, Yannick Butel propose ainsi de penser un « théâtre de translation » quand il revient sur la mise en scène de Sandra Iché Droite Gauche... Formes « documentaires », disons-nous, ou plus globalement, pratiques de création qui inscrivent les œuvres dans un rapport au « capitalisme et à la dramaturgie » est-on tenté de résumer, alors que le no 8 d'Incertains Regards s'achève avec la production d'Yvan Tina, jeune docteur en Arts de la scène des univesités d'Aix-Marseille et de Dallas, et chercheur prometteur et innovant, qui s'inquiète des mutations que courent les arts et les spectateurs via la technique, en livrant une étude sur le transhumanisme à partir de la lecture de l'essai Transhumanism and society. The social Debate over human Enhancement de Stephen Lilley.

Que tous et toutes soient remerciés pour ces études, ces regards, ces propositions et l'esprit d'escalier dont ils ont fait preuve.

Yannick Butel

[1] Jean-François Lyotard, Que Peindre, Paris, Hermann, 2008, p. 54. Énoncé qui appelle un commentaire, lequel montrera que Lyotard pose à travers ces trois adjectifs la configuration d'une œuvre qui échappe désormais au modèle libéral (« monnayable »), au modèle sémiotique (« racontable »), au modèle mimético-linguitique (« signifiable »).

[2] « Die Kunst und die Künste » traduit : L'art et les arts.

[3] Theodor W. Adorno, Philosophie de la nouvelle musique, Paris, Gallimard, coll. « Tel », 1962, p. 17.

[4] W. Benjamin, Œuvres III, Paris, Gallimard, 2000, p. 322.