incertains regards

El Retablo de las Maravillas de Miguel de Cervantes | Marie Vayssière

2016-06-01T10:44:00Z

Représentations les 2, 3, 4 juin au Théâtre Joliette-Minoterie
Mise en scène : Marie Vayssière
Traduction : Eva Hernandez
Interprété par les étudiants du secteur théâtre d''Aix-Marseille université

Miguel de Cervantes n'est pas seulement l'auteur du célèbre Don Quichotte de la Manche, il a écrit aussi de nombreuses pièces de théâtre : drames, comédies et intermèdes. Ces derniers étaient des pièces courtes conçues pour être jouées et distraire les spectateurs entre les actes d'une œuvre dramatique plus longue.

Les Intermèdes par leur brièveté et leur côté incisif donnent à Cervantes l'occasion de se livrer à un véritable jeu de massacre et à une critique sociale virulente et réjouissante sur la crédulité devant les faux savoirs, l'épaisseur et la bêtise généralisée, la vanité, la lâcheté, la couardise et les illusions trompeuses.

Cervantes adorait le monde du théâtre, et d'ailleurs, ne fait-il pas dire à Don Quichotte :

"Quant à la comédie, je veux, Sancho, que tu la prennes en affection, ainsi que ceux qui représentent les pièces et ceux qui les composent. Car ils servent tous grandement au bien de la république, en nous offrant à chaque pas un miroir où se voient au naturel les actions de la vie humaine... "

Le Retable des Merveilles écrit aux alentours de 1615 est une de ces remarquables petites pièces : Sur la place d'un village espagnol, arrivent deux habiles charlatans, rompus aux stratagèmes et duperies dont dépend leur survie, homme et femme d'un théâtre improbable, colporteurs du « retable (ou tréteau) des merveilles ». Celui-ci n'est visible que par ceux qui auront conservé dans leur cœur la pureté de leur enfance, la loyauté de leur confession... mais pour suivre une traduction plus précise : « nul ne peut voir ce qui s'y montre s'il est d'origine juive ou musulmane ».

Telle est la ruse du qui voit quoi, le retable restant vide.

Les jeux de l'abusement donnent alors le vertige, nul ne voulant avouer qu'il ne voit rien ; on rit franchement de la farce, mais elle n'est vraiment pas que drôle...

El Retablo de las Maravillas
— Intermède de Miguel de Cervantes
— Mise en scène : Marie Vayssière
— Traduction : Eva Hernandez
— Avec les étudiants de la section théâtre de l'Université d'Aix-Marseille/AMU :
— Assistants à la mise en scène : Elena Butti, Aglaia Mucha et Renaud Pellegrino
— Médiation, diffusion, gestion financière : Antoine Massa
— Scénographie et création costumes : Élise Py, assistée de Lise Icard et Jeanne Peltier
— Direction technique générale : Jules Bourret
— Lumière : Eva Molinier
— Son : Margot Vincent
— Jeu : Valentin Arnaud-Gayon, Anaelle Bocci, Tom Bremond, Julie Caron, Yann Capron, Laurette Causin, Laurent Davienne, Léa Delaisse, Camille Denêtre, Mélisande Dorvault, Garance Guillen, Marius Jacquot, Alexandre Janet, Guillaume Lauro-Lillo, Chloé Louis, Nathalie Magnin, Sybil Norval, Renaud Pellegrino, Théo Rocamora, Clara Toquet, Carla Ventre.

Projet réalisé dans le cadre d'un partenariat Théâtre Joliette-Minoterie, L'Art de Vivre-Comptoir de la Victorine et l'Université d'Aix-Marseille/AMU

Remerciements très sincères et chaleureux :
— Le Théâtre Joliette-Minoterie et toute son équipe (Marseille)
— l'Association L'Art de Vivre/Comptoir de la Victorine et toute son équipe(Marseille)
— Le Théâtre Antoine Vitez et l' Association Présences (Aix-en-Provence)
— La Compagnie du Singulier / Marie Vayssière (Marseille)
— Le Théâtre du Merlan (Marseille)
— L'Université d'Aix-Marseille et son président Mr. Yvon Berland
— L'UFR Arts Lettres Langues et Sciences Humaines
— Odile Moulinas, pour la conception graphique du visuel du spectacle

Les Culs-Terreux | Franck Dimech

2016-04-04T10:44:00Z

Représentations au Théâtre Antoine-Vitez du 19 au 23 avril.

— Dates des représentations
— Présentation du projet
— Distribution
— Paroles du metteur en scène
— Présentation du metteur en scène, Franck Dimech
— Paroles d'étudiants
— Enregistrement d'un entretien pour la radio Zinzine
— Extraits
— Textes à l'appui

LES REPRÉSENTATIONS

Représentations au Théâtre Vitez :
— Mardi 19 avril à 20h30
— Mercredi 20 avril à 19h00
— Jeudi 21 avril à 19h00
— Vendredi 22 avril à 20h30
— Samedi 23 avril à 20h30

Réservation en ligne accessible sur la page du théâtre Antoine Vitez.

LE PROJET

Pierre Guyotat, évoque son "Arrière-fond", sorte de jardin secret ou complotent les personnages en gestation de sa future mythologie. Chacun à l'endroit de son désir - acteur, plasticien, scénographe, éclairagiste, photographe ou autre, doit, après avoir donné un sens subjectif au mot "Arrière-fond", en déterrer quelque chose - un fragment, une mémoire, un épisode, un son, un chant, un texte ou autre chose- et en rendre compte à travers une forme de trois minutes maximum, à partir du médium et des moyens de son choix.

Il s'agira d'explorer la notion d'oralité rurale et de travailler à son énonciation.
Ce projet propose à vingt étudiants en théâtre, assignés à toutes les tâches requises, de fabriquer, en trois semaines, un « objet de langue ».

Langue-chaos, langue-rhizome, langue-remugle.

Lieux de l'enfance.

Noms de lieux dits, d'arbres, d'outils agricoles. Patois des campagnes glauques, plongées en apnée dans les racines du verbe. Trognes ahurissantes qui célèbrent en meute des rites païens mués par des langues extraordinaires, des langues en « devenir-animal ». Chez Genka, Guyotat et Reverchon, par le récit, par la fable, la poésie ou le théâtre, il s'agit de faire rendre gorge à la langue maternelle, le français, afin d'en extraire sa matière fécale, ses sécrétions, ses humeurs, ses jus.

Être responsable de ce que l'on veut énoncer dans le monde et forger sa langue pour le dire sont les enjeux de ce travail. Aussi, tous les étudiants concernés par ce projet participeront à l'élaboration de la partition textuelle du spectacle, à partir d'un corpus de textes que je leur livrerai.

[/Franck Dimech/]

LA DISTRIBUTION

— Mise en scène : Franck DIMECH – Théâtre de Ajmer (Marseille)

— Dramaturgie de Eric SHAEFLIN

Avec les étudiants du Secteur théâtre de l'Université d'Aix-Marseille :
Judith BALAGAYRIE, Laura BLANC, Vanina CAIRE, Thelma CAILLET, Manon CHAUVE, Adrien D'AMBROSIO, Laurent DIMARINO, Tommy FUCITO, Laurent GALAMPOIX, Mélisande GOUX, Thomas GROSSO, Faustine GUEGAN, Lise ICARD, Chloé LEROY, Coraline LEROY, Lucie LONGUEVILLE, Sara PIGNATEL, Marius RAMBAUD, Flora TONELLI, Claire VISCOGLIOSI.

Avec des textes issus de
— Arrière-fond de Pierre Guyotat,
— L'Epi Monstre de Nicolas Genka,
— La Marche Meuble de Maxime Reverchon,
— La Maman et la Putain de Jean Eustache
— et les textes des étudiants participants

PAROLES DU METTEUR EN SCÈNE

Comment travailler ensemble, ici, en 2016, dans un cadre universitaire ? Comment aborder la violence d'un monde sans merci ? Comment, aussi, parfois, éclairer ses beautés et ses douceurs ? Comment prendre position, en tant que jeune personne dans ce chaos au bouleversement constant ? Comment, après tout, lutter, parler, lire et écrire ce que nous sommes, et ce que nous voulons être ?

« Il n'est pas question ici que les acteurs, se (re)présentent comme des paysans, qu'ils ne sont pas de toute évidence. Il ne s'agit pas de mentir le milieu rural, de l'édulcorer. Il s'agit de s'emparer des notions d'oralité et de ruralité pour fabriquer du théâtre à partir de nos racines, de nos langues secrètes, de nos désirs de poésie, de notre détermination à créer quelque chose de fugace ensemble, dans l'engagement le plus intense et le plus pauvre aussi. On ne s'engage pas sur la scène des hommes au titre de soi-même, mais au nom de tous les autres.

Nous voulons créer une communauté éphémère qui pense et repense le monde. Dans ce collectif éphémère, il nous faudra transformer en force nos contraintes, faire en sorte que l'urgence devienne le moteur de notre création. De toute façon, personne n'attend personne : la fac n'est pas l'endroit de la formation à un métier, sauf peut-être à devenir professeur : la fac est l'endroit primordial de la prise de conscience, le camp retranché où l'on forge ses armes. Le monde social qui s'ouvre aux étudiants du cursus théâtre est bouché et pourri. Ils doivent l'apprendre. Pas pour dépérir ou aller dépenser tout l'argent de leur parent chez un psychanalyste, mais pour entrer en guerre. Tout le monde n'est pas Achille flamboyant au milieu de Troie détruite, il y aura des morts. Et comme dans toute hécatombe, quelques survivants. Intervenir dans le cadre d'une production universitaire ne signifie en rien former des gens aux techniques de l'acteur. L'enjeu de mon intervention est de transmettre des outils pour penser le monde qui nous échoit, et placer chacun de ceux qui ont la responsabilité de fabriquer cet objet face à la réalité merdique qui leur pend au nez : « Qu'ils crèvent les artistes ou qu'ils transforment la merde en or. »

Le travail a pris une mesure toute particulière, puisque lors d'un atelier d'écriture entre les étudiants, des choses sont ressorties. Que faire de cette matière ? Quels retours sur cette première semaine de travail ?

« Je suis sidéré, à la fois par les carences des formations d'acteurs pré-universitaires, et par le manque de curiosité fondamentale de certains quant à la littérature, à la poésie, à l'art, et plus généralement à l'altérité. Alors, c'est comme si le travail consistait, une fois encore, à apprendre à désapprendre : apprendre à perdre, c'est l'enjeu. Nous transformer.

LE METTEUR EN SCÈNE : FRANCK DIMECH

De 1992 à 2000, il dirige la compagnie Les foules du dedans et travaille autour des œuvres de Bernard Marie Koltès, Jean-Luc Lagarce, Hervé Guibert, Edward Bond, August Strinberg et Anton Tchekov.

En 2002, il fonde la compagnie Le théâtre de Ajmer et se consacre exclusivement à la mise en scène de texte dont le triptyque Variations sur l'Amour : une trilogie de la langue composé de L'Échange de Paul Claudel, Quartett de Heiner Müller et Pelléas et Mélisande de Maurice Maeterlinck.

Lauréat d'une bourse AFAA « Villa Médicis Hors les Murs », il développe des liens en République Populaire de Chine, à Taïwan et au Japon. Il réalise, en 2007, au Théâtre de la Criée, la première mise en scène française de la pièce Gens de Séoul 1919, de Hirata Oriza.

Depuis 2009, il se consacre à la mise en scène de textes du répertoire européen montés en langues étrangères, notamment L'Échange de Paul Claudel à Tokyo (2009), Jumel de Fabrice Dupuy à Taiwan (2010) et Woyzeck de Georg Büchner, spectacle créé à Taïwan.

En 2012, il est invité par le Conservatoire National de Taïwan à enseigner et mettre en scène le spectacle Preparadise Sorry Now de Fassbinder.

Il a récemment mis en scène une version française de Woyzeck de Georg Büchner avec les étudiants de théâtre de l'Université d'Aix-Marseille.

PAROLES D'ÉTUDIANTS

Se retrouver en tant que comédienne au sein d'un projet tel que les Culs-Terreux, est une expérience unique, originale et enrichissante. Elle encourage le dépassement de soi, un approfondissement de sa relation propre au plateau.

[/Laura Blanc, actrice sur le projet/]

Les productions universitaires sont une opportunité d'être plus actif et engagé. Elles sont l'occasion de faire la rencontre des personnes que nous croisons durant l'année. Pour Les culs-terreux, cette sorte d'impatience se transforme petit à petit en curiosité timide. Je m'explique : les textes choisis sont pour le moins étranges, ce ne sont pas des choses que nous aurions pu lire si quelqu'un ne nous les avait pas faites découvrir. Cette curiosité se développe, nous sommes totalement intrigués par le contenu du récit et la motivation de l'auteur à écrire ces mots. La timidité apparaît lorsque les textes prennent le dessus à travers la direction d'acteur. Nous tentons de mettre à profit ce que nous sommes, ce que nous avons en nous : individuellement.

[/Thelma Caillet, actrice sur le projet/]

Cette production extériorise mon intériorité, je me dévoile au monde tout en me découvrant moi-même.

[/Laurent Dimarino, acteur sur le projet/]

Le processus de ce travail repose sur la question de nos origines liées au monde agricole. Souvent éloignées ou reniées elles participent de ce que nous sommes. Le texte, aliment premier de cette création, articule l'univers poétique mis en recherche par chacun. Le décor essaye de répondre au texte afin d'être avec lui en osmose. Le travail sur un projet universitaire doit mettre en écoute chaque endroit de travail : texte, jeu d'acteur, scénographie... Ce travail est dicté par diverses contraintes qui s'avèrent être un bon moteur de la création, et source d'apprentissage.

[/ Flora Tonelli, scénographe sur le projet/]

ENTRETIEN RADIO DES ACTEURS POUR ZINZINE

Entretien de Lise Icard et Laurent Dimarino, étudiants en DEUST, pour la radio zinzine du 13 avril 2016 autour de la pièce.

Lili à la radio

EXTRAITS

TEXTES À L'APPUI

Extrait de Nicolas Genka : l'œuvre de la honte ?, par Romain Giordan

De Nicolas Genka (1937-2009), il semble rester peu de choses, si ce n'est cette honte littéraire qui brisa, à l'âge de 24 ans, sa carrière d'écrivain. En décembre 1961, Genka publia chez Julliard un premier roman, au titre programmatique, L'Epi monstre, dans lequel amour incestueux et triolisme familial se nouent dans une campagne glauque, sur fond de beuveries et d'injures. De ce texte gravement poétique, la violence semble sourdre de toutes parts. Dès sa parution, l'ouvrage fut parrainé par de nombreux écrivains : Jouhandeau, Pasolini, Nabokov, Aragon, Cocteau et Mishima. Mais le succès littéraire fut de courte durée. En juillet 1962, le ministère de l'intérieur, qui juge l'œuvre pornographique, interdit par arrêté sa vente aux mineurs ainsi que tout affichage, publicité et traduction. Ce qui revint, en la privant de toute visibilité, à la faire disparaître. En 1999, L'Epi monstre était ré-édité par la maison Exils qui ne fut pas inquiétés et Genka put assurer une promotion à grande échelle. On avait enfin débarrassé l'œuvre de son surplus médiatique pour ne garder que l'essentiel : sa puissance stylistique et son savoir-faire romanesque.

Mots et monde de Pierre Guyotat, par Michel Surya

[…] Il n'y a rien que Guyotat écrive ou qu'il montre qui ne soit réel, qui ne le soit exactement, et qui n'oblige à mesurer le réel à ce qu'il écrit et montre.[…] la littérature, dit-il en substance, quoi qu'elle seule puisse décrire ce qui terrifie, quoi qu'elle seule décrive ce qui est fait pour être fui, elle ne le décrit pas du point de vue de l'injonction (morale, par exemple), ce qu'on imagine que la pensée serait prête à lui concéder, elle le décrit du point de vue de la logique. Du point de vue de la logique, c'est-à-dire du point de vue de la pensée. La logique, que la pensée est impuissante à déployer pour penser ce qui est, c'est la littérature qui la déploie. […] C'est une œuvre de la pensée, que la pensée régit, qu'elle anime et meut, en tout et en détail. […] C'est un monde de la pensée d'autant plus que celui-ci se donne comme un monde de l'imagination. […] C'est parce que c'est dans l'imagination que la logique s'est réfugiée. Et, parce qu'il s'agit d'une « leçon », il fallait que cette œuvre se donnât des règles nombreuses et strictes. Des règles qu'on ne connaîtra pas pour la plupart ; dont on saura seulement ceci qui est aussi leur règle : « […] tout acte en provoque un autre, ne peut pas provoquer d'autre acte que celui qu'il provoque ; on n'introduit pas n'importe comment une couleur, ici ; les pas laissent des traces ; le son indique la présence d'un individu, animal ou humain, ou autre. Il n'y a rien de gratuit, comme on dit, pas de fantaisie, vraiment pas de fantaisie. C'est peut-être en cela que la monstruosité existe dans ce que je fais. » Des règles si nombreuses […] qu'il n'est pas un instant envisageable de les transgresser sans sortir par le coup de l'œuvre elle-même et des représentations qu'elle consacre. […]

Andromaque de Jean Racine | Frédéric Poinceau

2016-02-01T11:44:00Z

Création universitaire, d'après le texte de Racine
Mise en scène : Frédéric Poinceau
Cie Les travailleurs de la nuit
Avec les étudiants du cursus théâtre d'Aix-Marseille Université

— Les représentations
— La distribution
— À propos de la pièce
— Notes de mise en scène
— Le metteur en scène
— Extraits

LES REPRÉSENTATIONS

Du 23 au 27 février 2016 au théâtre Antoine-Vitez, Aix-en-Provence
— Mardi 23, Vendredi 26, Samedi 27 à 20h30 Mercredi 24 à 19h00
— Jeudi 25 à 14h30 (complet)

LA DISTRIBUTION

— Mise en scène : Frédéric Poinceau
— Assistants à la mise en scène : Claire Viscogliosi et Cédric Trouche
— Dramaturgie : Quentin Delplanque
— Costumes : Elise Py et Agathe Pépiot
— Communication / Production : Marina Lovalente
— Régisseurs sons et lumières : Thomas Fehr et Damien Franceschi
— Création son : Vivien Berthaud
— Scénographie : Alexia Chardard et Simon Durand
— Musiques : Luigi Nono et Arvo Pärt

Avec :
— Baptiste Adelmar : Pyrrhus
— Clarisse Arnaud : Andromaque
— Alexia Chardard : Hermione
— Simon Durand : Pylade
— Romain Henry : Pyrrhus
— Chloé Humbert : Hermione
— Charlène Juvé : Oreste
— Stéphanie Léon : Céphise
— Youssra Mansar : Andromaque
— Maéva Mortemousque : Cléone
— Alexandre Peyron : Oreste
— Olkan Servellera : Phoenix

À PROPOS DE LA PIÈCE

Le 17 novembre 1667, Racine présente à la Cour sa nouvelle pièce Andromaque. Âgé de 28 ans, il est déjà l'auteur de deux tragédies La Thébaïde et Alexandre le Grand, mais c'est avec Andromaque qu'il invente une nouvelle voie dramaturgique dans la tragédie classique et une véritable révolution esthétique. Avec cette pièce, le jeune Racine, faisant rupture avec Corneille, adopte le point de vue de l'individu et du sujet, et non plus de la raison d'État. Andromaque, œuvre démesurée par son écart avec le tragique traditionnel, annonce de façon brutale la thématique centrale des pièces de maturité qui suivront, Bérénice, Britannicus ou Phèdre : l'amour passion, l'amour maladie ou l'amour « fou », celui d'un homme naturel, désormais dénoncé dans sa vulnérabilité, ses contradictions et sa violence. Tout le théâtre de Racine à partir d'Andromaque est fait de cette oscillation entre le sublime traditionnel et une vision de l'amour qui le contredit.

L'action d'Andromaque se situe sur les ruines de la Guerre de Troie, remportée par les Grecs. C'est l'heure de la déchéance des héros. Les captives ont été tirées au sort entre les vainqueurs. Le Grec Pyrrhus, « fils d'Achille et vainqueur de Troie » est tombé amoureux de sa prisonnière Andromaque, veuve du chef troyen Hector, tué par Achille. Il délaisse Hermione, fille de Ménélas qu'il doit épouser. Oreste, de son côté, aime d'un amour fou Hermione. Andromaque est partagée entre sa fidélité à la mémoire de son mari et son désir de sauver son fils Astyanax, également prisonnier. Pyrrhus menace de tuer l'enfant, si elle ne lui cède pas. Dans l'ombre, la jalousie meurtrière d'Hermione les menace tous. De son côté, « Incapable toujours d'aimer et de haïr » Andromaque tire, malgré elle, les fils de cette tragédie passionnelle.

La structure d'Andromaque est celle d'une chaîne amoureuse à sens unique. Le seul pouvoir conféré à chacun est de faire le mal d'un autre en cascade. Une mécanique tragique exemplaire résumée par la ritournelle célèbre de Louis Jouvet : Oreste aime Hermione qui ne l'aime pas, qui aime Pyrrhus qui ne l'aime pas, qui aime Andromaque qui ne l'aime pas, qui aime un mort... Le passé dévore tous ces enfants de héros d'un ordre ancien qui pèse encore. Après la guerre des armes de leurs pères, c'est une bataille larvée des sentiments, perdue d'avance, qui se perpétue jusqu'au dénouement fatal. Soumis à l'incandescence de leurs passions, au poids du passé dont il faut s'arracher, les protagonistes ne peuvent recourir ni à la sagesse, ni à la morale ; ils ne cherchent jamais à se consoler ou à modérer l'intensité mortelle de leurs joies et de leurs souffrances. Ils sont condamnés à vivre dans le malheur le plus pur, le plus absolu, ballotés entre passion et devoir. Andromaque est aussi la tragédie du dilemme.

NOTES DE MISE EN SCÈNE

« Mon intuition première, en mettant en scène Racine, est de privilégier un théâtre de l'intériorité et de l'émotion, dans le plus grand dépouillement. La vérité des héros que nous ressuscitons se construira à partir d'un travail de sensation aigu et de pureté des présences. Il ne s'agira pas d'extérioriser la violence du discours mais au contraire d'en contenir les crises. Le mal rôde au dehors du récit, de l'image, de l'acteur. Comme les sentiments, il ne doit pas être montré mais suggéré au spectateur pour mieux l'inquiéter et l'émouvoir. La proximité avec le public est essentielle : l'espace tragique doit l'englober comme s'il était lui-même confident et voyeur du trouble émotionnel des figures. C'est une Andromaque charnelle, intime, exposée crûment en gros plans continus, que je nous propose. Il nous faut rapprocher Racine de l'œil et de l'oreille du spectateur. L'acteur est au centre du corridor, prisonnier des regards. Et dans ce rapprochement, il y a l'idée d'une nudité insolite des présences, dans la rigueur somptueuse de l'art poétique. C'est avec une extrême tendresse, teintée d'enfance, que se révèlera la cruauté des enjeux et des aliénations : chuchotements et effleurements brûlants, portant en eux un désir, une aversion, une blessure, un secret. Le vers sera là pour consoler les figures.

Il y a aussi l'idée de mettre en relief, dans ce jeu de face-à-face en tension, si proche de nous, la cérémonie racinienne dans toute son étrangeté. L'enjeu profond du rituel tragique c'est ce que les personnages vont perdre, juste sous le regard du public. Pour l'acteur, le temps du drame devient un exercice de vérité. Chaque scène doit être engagée comme un dernier coup de dés, comme un dernier appel et une ultime prise de risque. Les corps se font face tour à tour sur l'échiquier central, déchirés entre la gloire d'un passé trop lourd et le chaos des sentiments. L'obscurité engloutit peu à peu ces corps en émoi qui contredisent ce que les mots énoncent. Leurs gestes -effleurement, caresse suspendue, morsure avortée- retardent une implosion en attente. L'élégance et la noblesse sont les atours de la décomposition intérieure qui les gagne. Le vers est leur dernier réconfort pour survivre. »

Une Andromaque contemporaine d'après les figures d'Antonioni

« Il ne sera pas question pour nous d'historiciser Andromaque, à travers une quelconque évocation antique ou grand siècle. C'est en pensant aux héroïnes tourmentées d'Antonioni, - à mes yeux le cinéaste le plus racinien - que j'imagine notre Andromaque. Une Andromaque contemporaine, dans le reflet de cette bourgeoisie italienne oisive des années soixante, celle de la Notte ou de l'Avventura, faite de ces jeunes héritiers, en mal d'action et sans conscience politique, rongés par l'ennui et les blessures du cœur. A l'image des héros raciniens, ces gens élégants, occupés surtout d'eux-mêmes, se font des plaies horribles, en se disant des choses très tendres. Comme Hermione, Pyrrhus, Andromaque ou Oreste, ils ont tous des privilèges mais aucun pouvoir réel, et le passé les dévore. Pour combler le vide, ils jouent, comme des enfants, à s'aimer ou se haïr, dans l'illusion d'une possibilité de vie nouvelle. Ce sont ces corps en fuite et ces visages remplis d'espoir ou d'effroi qui seront convoqués, car ils nous touchent. Cela pourrait commencer ainsi : en bordure de scène, Hermione, accoudée à son piano, égrène les premières notes de l'art de la fugue de Bach. On entend dans le silence le ronronnement d'un ventilateur. Frémissement d'un rideau de voile à l'autre extrémité de la scène : Oreste entre à pas feutrés, les yeux fermés, tendant les mains vers elle, comme un enfant jouant à l'aveugle. »

Versification et énonciation

« En cette nuit tragique, j'entends les voix d'Andromaque comme les unités d'un ensemble choral. Les acteurs doivent tous parler la même langue. La versification doit se déployer comme une composition polyphonique, bouche froide et cœur bouillant, régie par des règles strictes et communes. La sensualité de l'alexandrin n'est pas acquise. Elle s'invite à partir d'un grand travail d'écoute.

Les voix seront douces : souffle sur une blessure. Il faut s'adresser à l'autre comme si on se parlait à soi-même. Les personnages raciniens s'interrogent toujours eux-mêmes à travers l'autre. Parfois, au détour d'un silence, un cri de douleur qu'on ne peut plus étouffer... L'alexandrin ? L'effort doit demeurer invisible. L'alexandrin n'est ni de la prose, ni un exercice musical. Il faut faire entendre le vers comme un vers. Il y a douze pieds, la rime et les accents obligatoires. L'accent détermine le rythme.

La vérité de l'alexandrin n'est ni de se détruire, ni de se sublimer :
elle est dans sa distance
Roland Barthes.

Dans sa distance poétique, la langue racinienne est là pour déréaliser, magnifier la présence brute des êtres. L'acteur racinien doit se soustraire à sa propre surveillance, être plutôt que paraître, dans une tentative de déséquilibre intérieur constant. Il est aussi l'instrument de précision de la langue. Un instrument de cruauté dont les mots sont les seules armes. Parfois pour survivre, souvent pour tuer. »

LE METTEUR EN SCÈNE

Frédéric Poinceau fait ses études à l'Université d'Aix-Marseille et obtient une maîtrise section Théâtre au département « Arts » de l'université Aix-Marseille. Il complète sa formation théâtrale à Paris, au Théâtre des Quartiers d'Ivry auprès d'Adel Hakim et d'Elisabeth Chailloux, en 1990. Il poursuit sa formation d'acteur, avec, notamment, André Steiger, Youri Pogrebnichko, Philippe Ottier , Vincent Rouche , Christophe Galland , Isabelle Pousseur , Jean-Louis Benoit, Elisabeth Chailloux, Célie Pauthe...

Il joue avec de nombreuses compagnies théâtrales, en France et à l'étranger, entre autres, sous la direction de François-Michel Pesenti, d'Hubert Colas, Angela Konrad , Marie-José Malis, Elizabeth Chailloux, Julie Brochen, Youri Pogrebnichko, Anatoli Baskakov, Lambert Wilson, Philippe Eustachon, Danielle Bré, Martine Charlet, Cyril Grosse, Haim Menahem, Andonis Voyoucas, Pierrette Monticelli, Selim Alik, Jacques Mornas, Ivan Romeuf, Marc De Negri...

Il crée la Cie Les Travailleurs de la Nuit en 2004 à Marseille où il adapte et met en scène :
— Le Lieu du crime d'après les scénarios de Jean Eustache Une sale histoire et Le jardin des délices au théâtre de la Minoterie, à Marseille (2003) ;
— Les Instituteurs Immoraux d'après La philosophie dans le boudoir du Marquis de Sade, au théâtre des Bernardines, à Marseille (2006) ;
— Les Bienfaits de l'Amour d'après Le Banquet de Platon, au théâtre des Bernardines et au théâtre Antoine Vitez, à Aix-en-Provence (2012) ;
— Le 20 novembre de Lars Norén au théâtre de Lenche (2014) ;
— Victor ou les enfants au pouvoir de Roger Vitrac, au Théâtre Antoine Vitez (2014) et au C.D.N. La Criée (2015)

Par ailleurs, Frédéric Poinceau intervient régulièrement au département des arts de la scène à l'Université d'Aix-Marseille en tant que metteur en scène et enseignant. Il y dirige des ateliers de jeu à partir des répertoires classiques ou contemporains : Le Misanthrope de Molière, Andromaque de Racine, La mouette de Tchekhov, Le dragon d'or et Avant après de Schimmelpfennig.

Dans ce cadre universitaire, il a mis en scène :
— Je tremble 1 et 2 de Joël Pommerat (2009)
— Le diable probablement d'après un film de Robert Bresson (2010)
— Cendrillon de Joël Pommerat (2013)
— L'éveil du printemps de Frank Wedekind (2014)

LA COMPAGNIE

Les Travailleurs de la Nuit est née en 2004 à Marseille, de l'association de deux acteurs, Fabrice Michel et Frédéric Poinceau, partenaires de jeu complices dans de nombreuses créations théâtrales passées, aux esthétiques variées d'ici et d'ailleurs. Depuis 2008, Frédéric Poinceau assure la direction artistique de la compagnie et élabore la conception des projets.

Dans ses premiers désirs de « faire théâtre de tout », se développent des projets théâtraux hors répertoire dramatique, privilégiant l'adaptation et le brassage de matériaux hétérogènes (scénarios cinématographiques, dialogues romanesques, philosophiques, interviews, conférences, poèmes, peintures...). Leur recomposition dramaturgique s'effectue au cours des répétitions, par les procédés de l'improvisation, du montage, et d'une écriture qui brasse et fait se confronter des matières contemporaines et passées. De façon paradoxale, le choix de ces textes- matériaux a été l'occasion d'interroger le théâtre avec des moyens qui sont résolument les siens, à savoir un théâtre de l'acteur et un théâtre du texte.

Au fil de « conférences spectacles », une conversation ininterrompue s'est entamée avec le public, disséquant la représentation et ses simulacres (Jean-Luc Godard) la perception et ses déviances, le rapport des sexes (Jean Eustache, Jérôme Bosch), et interrogeant l'érotisme dans son action poétique et subversive sur le langage (Marquis De Sade, Platon, Buñuel, Wedekind). A partir de 2008, nous affirmons notre choix d'une alternance et d'une porosité entre transmission et création artistique, productions professionnelles et productions issues de l'enseignement théâtral que nous diffusons. Se réalise la nécessité d'une articulation de ces deux pôles d'action, qui aiguise les axes d'exploration de la compagnie et infléchit une ouverture au répertoire théâtral classique et contemporain.

EXTRAITS

Hermione — Ah ! Ne puis-je savoir si j'aime ou si je hais ?
Le cruel ! De quel œil m'a-t-il congédiée !
Sans pitié, sans douleur au moins étudiée !
L'ai-je vu se troubler et me plaindre un moment ?
En ai-je pu tirer un seul gémissement ?
Muet à mes soupirs, tranquille à mes alarmes,
Semblait-il seulement qu'il eut part à mes larmes ?
Et je le plains encore ! Et pour comble d'ennui,
Mon cœur, mon lâche cœur s'intéresse pour lui !

[/Oreste — Et vous le haïssez ? Avouez-le, madame,
L'amour n'est pas un feu qu'on referme en une âme :
Tout nous trahit, la voix, le silence, les yeux ;
Et les feux mal couverts n'en éclatent que mieux./]

Hermione — Je l'ai trop aimé pour ne point le haïr.

[/Andromaque — Seigneur, que faites-vous, et que dira la Grèce ?
Faut il qu'un si grand cœur montre tant de faiblesse ?...
Captive, toujours triste, importune à moi même,
Pouvez vous souhaiter qu'Andromaque vous aime ?
Quels charmes ont pour vous des yeux infortunés
Qu'à des pleurs éternels vous avez condamnés./]

Pyrrhus — Eh bien, Madame, eh bien ! il faut vous obéir :
Il faut vous oublier, ou plutôt vous haïr.
Oui, mes vœux ont trop loin poussé leur violence
Pour ne plus s'arrêter que dans l'indifférence ;
Songez y bien : il faut désormais que mon cœur,
S'il n'aime avec transport, haïsse avec fureur.

Hermione — Chère Cléone, cours : ma vengeance est perdue S'il ignore en mourant que c'est moi qui le tue.

C'est tout ! d'après les écrits de Daniil Harms | Yves Fravega

2016-02-01T11:44:00Z

Représentations du 3 au 7 mai, à La Friche de la Belle de Mai (salle SEITA)
Entrée libre sur réservation au 04.95.04.95.95

A propos de l'auteur

« Il faut écrire les vers de telle manière que, si l'on jette la poésie contre une fenêtre, la vitre se brise. » Daniil Harms

Daniil Harms est né en 1905.Il faisait partie des artistes « de gauche », c'est à dire « d'avant-garde », selon le sens du mot russe à l'époque, héritier des futuristes d'avant la révolution.

À la fin 1927, avec Alexandre Vvedenski, il fonde l'Oberiou (Association pour un Art Réel), qui regroupait une pléiade de poètes, d'artistes, de chercheurs, de penseurs, de savants, tous attachés à une philosophie de l'art proscrite par le pouvoir politique.
Dans un contexte où les canons esthétique du Réalisme Socialiste s'imposait, ils opposaient un Art Réel, « antiréaliste », une sorte d'utopie créatrice ouverte à tous les excès et les débordements, au « non-sens », à « l'insensé ».

L'Oberiou s'est fait connaître par ses manifestations artistiques délirantes, précurseuses des performances et du happening, et ces représentations théâtrales qui influencèrent le Théâtre de l'Absurde. Dans un contexte politique où le stalinisme triomphait, l'Oberiou était voué à la répression et au silence. Comme l'ensemble des artistes appartenant au mouvement Oberiou, Harms fut accusé d'activités anti-soviétiques et exilé en 1931. Il fut arrêté pendant le siège de Leningrad en 1941et interné en asile psychiatrique où il mourut de faim en1942, à l'age de 36 ans. Considéré comme un ennemi du régime stalinien, Harms ne put publier de son vivant que deux textes ; l'essentiel de son œuvre fut diffusé et lu en samizdat (publication clandestine). Il fut réhabilité en 1956.
Il est considéré comme un des maîtres de la forme courte.

C'est à ces formes courtes, ces « miniatures », que nous consacrerons notre recherche.

Le monde de Harms est burlesque, imprévisible et désordonné, ses personnages se comportent souvent de façon irrationnelle. Les histoires se développent comme une accumulation de petits morceaux de réel sans lien les uns avec les autres et sont brutalement interrompues par des incidents qui les font rebondir dans des directions totalement inattendues.

Le spectacle prendra la forme d'une exposition collective de ces « miniatures » de Daniil Harms.

Les textes seront choisis parmi : SAYNÈTES ET DIALOGUES, FAITS DIVERS, PROSES DIVERSES, PROSE DE L'AUTRE - Daniil Harms / Ecrits / Christian Bourgois éditeur.

A propos du metteur en scène

Yves Fravega , metteur en scène, comédien, directeur artistique de L'Art de Vivre qu'il fonde en 1995. Après des études aux Beaux-Arts d'Aix-en-Provence, il crée avec Pit Goedert la compagnie Le Biscuit Qui Craque en 1977 avec pour projet de mêler arts mineurs et grande littérature. Puis avec Jean-Paul Curnier, l'association Revues, et avec Pascal Gobin et Guy-André Lagesse, l'ensemble musical Les Condensés devenu Les Fraises. En parallèle il collabore régulièrement comme metteur en scène, adaptateur et/ou comédien avec les compagnies Cartoon Sardines Théâtre, Blaguebolle (Bernard Palmi), Cie du Chapeau Rouge (Pierre Pradinas), Quartiers Nord, Opening Nigths, l'Agence de Voyages Imaginaires (Philippe Car)… Au sein de L'Art de Vivre, il développe un travail de création mêlant étroitement comédiens et musiciens à des « artistes d'occasions », amateurs rencontrés lors de résidences ou de projets, depuis deux ans il travaille également en partenariat avec la faculté de lettre d'Aix-en-Provence sur la création de productions universitaire où il dirige les étudiants pour les amener au bout de 5 semaines de travaille à une semaine de représentation à la Friche belle de mai.

Distribution

– Mise en scène : Yves Fravega
– Assistants mis en scène : Clémence Savalle et Armande Mazzoni
– Régisseur général : Jules Bouret
– Régisseur lumière : Margot Vincent
– Régisseur son : Eva Molinier
– Scénographes/ costumière : Anaïs Valard et Morgane Lesseur
– Communication/ Production : Léa Jean-Théodore

Avec :
Flora Poughon, Margaux Paz Paredez, Robin Dushesne, Imane Toute, Nicolas Broches, Robin Attrée, Arthur Morvan, Claude Ruiz, Mélodie Chaumeny, Lucas Bonneti, Maëlys Zucchi, Roxane Raymond, Loris Carini, Catherine Laouenan, Estelle Gilly, Maxime Saulnier Gatefait, Marianne Feneyrol

Extrait

Il était une fois un homme roux, qui n'avait d'yeux ni d'oreilles. Il n'avait pas non plus de cheveux et c'est par convention qu'on le disait roux.Il ne pouvait parler car il n'avait pas de bouche. Il n'avait pas de nez non plus.Il n'avait même ni bras ni jambes. Il n'avait pas de ventre non plus, pas de dos non plus, ni de colonne, il n'avait pas d'entrailles non plus. Il n'avait rien du tout ! De sorte qu'on se demande de qui on parle.Il est donc préférable de ne rien ajouter à son sujet.
(Cahier bleu n°10, dans Ecrits de Daniil HARMS)

Shams, et les poissons du désert, de Amira-Géhanne Khalfallah | Arnaud Maïsetti (production audiophonique)

2016-01-05T11:44:00Z

Dans le cadre des ateliers conduits à l'université Aix-Marseille pour les étudiants du secteur théâtre, une pièce audiophonique est chaque année réalisée sous la direction d'un enseignant de la formation. L'enregistrement est ensuite diffusé avec la revue Incertains Regards consacrée aux arts de la scène contemporaine, attachée à inscrire ses recherches dans l'aire méditerranéenne et publiée aux Presses Universitaires de Provence.

Cette année, la pièce audiophonique est dirigée par Arnaud Maïsetti

La pièce : Il s'agit d'une pièce d'anticipation qui se déroule en 2060, entre la France et l'Algérie. Le vent a disparu, comme le soleil. Eric et Marie s'en souviennent mais ne savent plus s'ils l'ont rêvé, comme les guerres et les joies. Sur la mer, Amanar et Anya sur un bateau à la dérive font route vers l'Europe, ou vers le Sahara, comment le savoir ? Les dunes se mélangent avec les vagues, et les migrants inlassablement se perdent, ne savent plus s'ils partent ou reviennent. C'est une longue quête pour des territoires neufs où réinventer une histoire commune. C'est aussi une fable, tissée dans une langue poétique et dépouillée, qui raconte les liens et les blessures qui unissent Français et Algériens. Elle dit aussi la migration comme une invitation à passer la frontière, celle des pays et des imaginaires. En arabe, Shams veut dire le soleil. C'est un mot féminin.

Extrait :

Marie : Le vent, le vent, on ne parlait plus que du vent. Du vent, on en mettait partout, dans notre assiette, dans notre sommeil, dans nos rêves, dans nos maisons, dans nos guerres, dans nos espoirs.
La guerre du vent. La paix du vent. Le froid du vent. La faim du vent.
Éric : Il ne nous reste plus rien alors.
Marie : Plus rien.
Éric : Sauf Shams.

L'auteur : Amira-Géhanne Khalfallah est née en Algérie où elle vit jusqu'en 2007 avant de s'installer au Maroc. Diplômée en biologie cellulaire et moléculaire, c'est pourtant vers le journalisme qu'elle s'oriente en 2001, dans le domaine culturel, notamment en littérature et arts plastiques. Elle écrit sa première pièce de théâtre, Le Chant des coquelicots, lors d'une résidence d'écriture aux Francophonies de Limoges en 2005. Sa deuxième pièce, Les Désordres du violoncelle, est créée en 2012 par la compagnie "Éclats de scène" et coproduite par le théâtre des Carmes en Avignon. Ce texte qui aborde le double enfermement des femmes en temps de guerre questionne le rapport de celles-ci à l'espace public dans le monde arabe. Elle creuse davantage ces inégalités en mêlant à volonté magie et surnaturel sur le ton de la farce avec Les Draps, un travail soutenu par le Théâtre de l'Aquarium Cartoucherie Paris et la Fondation Beaumarchais, et par le dispositif « Dramaturgie Arabe » à la Friche Belle de Mai en 2013.

Interprètes : Anaelle Bocci, Catherine Laouenan, Guillaume Lauro-Lillo, Coraline Leroy, Armande Mazzoni, Renaud Pellegrino, Margot Vincent, Claire Viscogliosi, Maelys Zucchi,

Montage & mixage son : Paul Fourure
Musique : Alice Mesnard

— Une lecture dirigée par Arnaud Maïsetti, Maître de conférences en Arts de la Scène.
— Supervision et accompagnement technique par Antoine Gonot, Maître de conférences en Sciences et Techniques de l'Image et du Son.