incertains regards

Norma Jeane Baker de Troie, d'après Anne Carson | Alexis Moati & Pierre Laneyrie

2024-09-13T10:44:49Z

— Mise en scène Alexis Moati & Pierre Laneyrie
— Représentations : du 21 au 24 février 2023 [Théâtre de Lenche]

« Et si Hélène n'avait jamais été à Troie ? Si son ravisseur n'avait emporté avec lui qu'un nuage, une illusion ? Et si cette guerre menée au nom de la beauté n'était qu'une vaste supercherie, l'histoire d'un leurre sublime, d'une fascination destructrice ? Une usurpation d'identités, un simulacre d'héroïsme militaire ? La version d'Anne Carson inspirée d'Hélène d'Euripide repose sur cette hypothèse et s'empare du mythe de manière vertigineuse. Hélène de Troie est aussi Marilyn Monroe, née Norma Jeane Baker et mariée à Arthur, roi de Sparte et de New York – deux icônes séparées par des milliers d'années mais unies par un seul et même destin, rivalisant de séduction et de ruses pour échapper à la violence des hommes et à un ordre du monde impitoyable, des remparts de Troie à Sunset Boulevard. »

« D'ailleurs, est-ce que ça ne commence pas toujours pareil, ce mythe qui se termine par la fille qui a « mal tourné » ?
Elle se trouve dans une prairie, elle ramasse des fleurs, elle tortille ses petites heures ensoleillées.
Quand tout à coup surgit un homme dressé sur ses chevaux noirs.
Surgit un homme vêtu d'un chapeau noir.
Surgit un homme une lettre noire à la main.
Puis-je faire de vous ma reine ?
Elle a peut-être douze ou treize ans.
Le Viol
c'est l'histoire d'Hélène,
de Perséphone,
de Norma Jeane,
de Troie.
La guerre en est le contexte
et Dieu est un garçon.
Oh mes chéries,
ils vous disent que vous êtes nées avec une pierre précieuse,
La vérité,
c'est qu'être une fille est un désastre. »

La guerre de Troie est légendaire. Elle est déclenchée quand Pâris, un prince troyen, se rend à Sparte et enlève Hélène, considérée comme la plus belle femme du monde et mariée à Ménélas, le roi de Sparte.
Après l'enlèvement d'Hélène, Ménélas réunit une immense armée, avec à ses côtés des héros comme Ulysse ou Achille, et part pour reprendre Hélène. Plusieurs années de guerre, de combats, de siège, de sang, de pil lages, jusqu'au jour où les Grecs réussissent à entrer dans la cité de Troie. Ils prennent la ville, Ménélas retrouve Hélène et rentre en Grèce avec elle. Comme toutes les légendes, celle de la guerre de Troie a été re-racontée, ré-interpretée, re-traduite à travers les siècles. Dans certaines versions, Hélène n'est pas enlevée par Pâris mais elle est séduite par lui, et accepte de le suivre à Troie.

La version d'Euripide se démarque radicalement de toutes les autres : dans cette version, Hélène n'est jamais allée à Troie. Ce n'est qu'un nuage sous les traits d'Hélène que Pâris a enlevé, sans qu'il le sache, tandis que la vraie Hélène est cachée en Égypte. Il pense avoir à ses côtés la plus belle femme du monde mais n'a enlevé qu'un simulacre. Dans le texte d'Euripide, les Troyens et les Grecs se battent pendant des années pour une illusion.

C'est sur cette version que s'appuie le Norma Jeane Baker d'Anne Carson. Mais, chez Carson, Hélène est aussi Marilyn Monroe - Norma Jeane Baker selon son nom de baptême. Son mari Ménélas s'appelle Arthur, comme l'écrivain Arthur Miller, marié plusieurs années à Marilyn Monroe. Dans Norma Jeane Baker de Troie, Hélène et Norma Jeane Baker sont une seule et même personne, un unique destin malgré les quelques milliers d'années qui les séparent : une femme marquée par la violence des hommes, une femme à qui on impose un destin, sans prendre en compte ses rêves, ses envies, ses désirs

Anne Carson, avec une grande liberté et sans nier de la complexité de ses sources, fait se côtoyer le théâtre, la poésie, la réécriture, la Pop Culture et le commentaire.

La façon particulière qu'elle a de créer des textes d'une grande modernité et d'une réelle portée politique en puisant dans les œuvres de la littérature grecque antique.

Il va s'agir avec cette dramaturgie éclatée de chercher avec les étudiants comment rendre au plus juste cette langue percutante, poignante et résolument féministe. Nous travaillerons à partir de commandes à saisir cette écriture protéiforme.

Alexis Moati

Échos, d'après Les Bacchantes | Marie Lelardoux

2024-09-13T10:44:49Z

— information pratiques
— présentation du projet
— Images du spectacle

Informations pratiques

— Mise en scène Marie Lelardoux
— Représentations : du 28 février au 4 mars 2022 au Théâtre Antoine-Vitez, d'Aix-en-Provence
— Texte : Les bacchantes d'Euripide (Traduction : Jean et Mayotte BOLLACK, pour les Éditions de Minuit
— Assistanat à la mise en scène : Juliette JOUANDON, Romane STELLATELLIT
— Régisseuse lumière et son : Antoine PETIT, Charline FABRI
— Scénographie : Sabah GULLILI, Louise MIRAN, Timothée OLIVE
— Assistant.e.s à la couture : Ombeline DAUBY, Bulle CHAUVAUD, Anna PORRET, Lucie ESCANDE, Timothée OLIVE, Louise MIRAN
— Production/Médiation/Communication : Morgane RACON
— Avec : Camille Boidin, Lucie Escande, Laora Gabert, Noah Grand, Lou Laurent, Hanna Marzolf, Anna Porret, Maurine Boulaya, Manuela Castano, Marion Challet, Thelma Ferrari, Alric Gaudin, Lisa Marcelin-Gabriel, Emma Martin, Elsa Taubaty, Cassiopée Barazzutti, Léo Barret, Esteban Chatzopoulos, Daniel Detallante, Justine Dubus, Ilian Nagelli, Margaux Revelin, Marthe Ternoy.

Tout d'abord, envisagez un tout scénique composé d'une grande équipe, dont vous faites partie et avec laquelle vous allez pétrir un espace physique et sonore, composé de mots, de voix, d'objets, de vos présences. Oui, l'état de présence est le commencement. De là, fouiller jusqu'à l'origine de la parole, chercher sa ‘juste' source, ses gestes aussi (via des ‘techniques' par lesquelles l'acteur.rice se laisse traversé.e et, finalement, révélé.e). Lors de chaque instant scénique, ressentir la coprésence de l'interprète et de sa source, de la forme et du fond, du signifiant et du signifié. Nous ne prendrons rien pour acquis, ni les mots, ni nous-mêmes, ni le rapport au public, ni le dispositif scène / salle. Un travail par tâtonnements. Le processus ressemblera souvent à une suite d'intuitions, suivie de déductions, pour parvenir (si tout va bien !) à des évidences. Une fabrication de spectacles comme un travail d'enquêtes : aller dénicher ce qui n'existe pas et qui pourtant, quand il survient, semble juste. Le travail consistera en une déconstruction de notre réel et de nos acquis vers une composition.

Notre temps sera compté, nous devrons tout faire en même temps, sans respect de chronologie : nous rencontrer, déduire, chercher, « intuiter », faire apparaître, fragmenter, assembler, questionner, jeter, garder... La création d'un spectacle représente l'invention d'une langue, par un ensemble réuni. Nous aurons donc une responsabilité commune, dans le souci que chacun.e trouve la singularité de son expression. Quel que soit notre 'poste' sur cette création, nous y mettrons tou.te.s une part de nous-mêmes et une part de nous-mêmes s'y trouvera révélée.

Bon … Après une ode à l'espèce d'équipage que nous formerons sur le bateau de cette création théâtrale, voyons voir quel sera le motif de notre ensemble. Partant de recherches sur l'écart entre la violence énoncée et ses représentations possibles (textuelles, picturales, théâtrales, poétiques, musicales…), c'est avec Les Bacchantes d'Euripide (dans différentes traductions) que nous les appliquerons, avec cette tragédie porteuse d'« un passé édénique, traversé de terribles colères »* . C'est exactement à partir de la fureur et de la méprise d'Agavé que nous explorerons l'œuvre.

En novembre, lors de notre première rencontre, nous lirons la pièce ensemble, puis en choisirons des passages et composerons des tableaux scéniques. Étant entendu que « les poètes tragiques demandaient beaucoup à l'imagination »*, vous serez acteur.rice.s, témoins, narrateur.rice.s et fabricant.e.s de l'activation de cette imagination. Récepteur.rice.s du déchaînement de violence à l'œuvre ici, nous nous en ferons les traducteur.rice.s, les interprètes, dans une alternance de scènes jouées, de récits, de ‘in', de ‘off'. Nous alternerons terreur et bouffonnerie, suivant le poète Euripide et cet adage, selon Marie Delcourt-Curvers : « Les dieux poussent les hommes à l'abîme ; mais c'est de notre propre abîme, de notre chaos primordial qu'eux-mêmes sont sortis ».

Marie Lelardoux

Les images du spectacles

Peindre le silence, d'après des fragments de La Niobé d'Eschyle | Sandrine Roche

2024-09-13T10:44:49Z

— information pratiques
— présentation du projet
— la metteur en scène
— Images du spectacle

— Mise en scène : Sandrine Roche
— Représentations : 2 et 3 mai 2023 Théâtre de la Criée, Marseille
— Avec les étudiantes et étudiants de la section Arts de la scène d'Aix-Marseille Université : Maëlis Adalle, Lili Benmehdi-Guerlais, Chloé Beneteau-Emond, Kendal Benaouali Chevalier, Léonie Blache, Lou Blanchard, Loup Cousteil- Prouveze, Margot Dietrich, Manon Flores, Romane Gastebois, Appoline Guy, Cécile Lagrange, Capucine Laurent, Flora Lecorre, Alizée Magnan, Méline Mouginot, Julien Odinot, Manon Pelouin, Romy Pinaz, Lou Preynat, Maeva Rodriguez, Alex Vigier
— Assistanat à la mise en scène : Samaneh Latifi, Timothé Logé
— Régisseuses : Aurélie Perrin et Mila Rousseau
— Scénographie : Sabah Guellili, Louise Miran
— Médiation / Production / Communication : Morgane Racon
— Médiation : Chloé Beneteau-Emond, Julien Odinot
— Visuel : Sandrine Roche

remerciements à Montévidéo qui a accueilli les répétitions de Peindre le Silence pendant une semaine.

Au départ, il y a la question de la tragédie, de cette langue grecque qui berce l'histoire du théâtre, et d'un imaginaire scénique, que j'ai du mal à faire mien. Je reprends des livres anciens, j'y lis quelques phrases, les reposent, tourne en rond : je n'avance pas vraiment. Un metteur en scène me dit « la vraie, tragédie c'est qu'on ne monte plus de tragédies ; c'est pour ça qu'elles ont maintenant lieu dans nos rues ». Je réfléchis et reprend les livres : Euripide, Eschyle, Sophocle, Aristophane, … ; je les tournent et retournent en espérant y trouver la solution, la porte de sortie vers un imaginaire mien, que je pourrai porter sur un plateau. C'est alors qu'apparaissent ces fragments, quelques morceaux tronqués de La Niobé d'Eschyle, une tragédie perdue qui a fait couler beaucoup d'encre depuis sa découverte. Je me plonge dans les mots comme dans un roman policier ; je remonte le temps.

Niobé, fille de Tantale, dont Leto a ordonné de tuer les 14 enfants, pour la punir de sa vanité, et qui, muette, se pétrifie devant leurs corps sans tombeau. Un corps voilé et muet pendant les ¾ de la pièce. Un ovni théâtral de l'antiquité. Il ne nous en reste que dix fragments - même pas de quoi en faire une page - qui agitent mon corps et ma pensée comme jamais. Des trous, de la roche, de la mythologie : je baigne dans mon élément.

Je ne sais pas encore ce que nous allons faire de ça. Je mène une enquête. Sur la langue, sur les volcans et leurs jets de roches brûlantes, sur les douleurs trop fortes qui se transforment en magma interne, et calcinent les êtres. Je m'interroge sur le silence, la réalité des corps et des bouches réduites au silence, qui se consument et se pétrifient. Je lis Ovide et ses Métamorphoses, je réfléchis à la métamorphose possible de ces fragments que nous laisse Eschyle. Je cherche des correspondance avec mon intime, ce qui me constitue, et ce qui m'entoure. Je me dis que plutôt que d'apporter des réponses, je vais poser ce matériau tout en questions, ouvrir l'enquête, et que nous allons en discuter, nous confronter, croiser nos imaginaires pour trouver, ensemble, ce qui se cache au milieu de ces fragments. Il nous faudra être nombreux ; il nous faudra nous agiter de la tête aux pieds - jeter nos corps dans la bataille – pour reconstituer, bout par bout, le puzzle de notre Histoire. Et ce qui est certain, c'est que ce sera joyeux.

Sandrine Roche

Feuille de salle

« Je ne souhaite pas proposer une réécriture de La Niobè d'Eschyle, puisqu'elle n'existe plus. Tout ce que nous savons– c'est qu'Eschyle a travaillé sur le silence. Son héroïne est immobile et silencieuse, au centre de la scène, pendant trois longs actes. Deux personnages se relaient pour la questionner. Il ne reste rien des deux derniers actes, que l'on imagine comme le long lamento de Niobé.

Comment traiter le silence de Niobè, dont Eschyle a fait le cœur de sa tragédie ? Je cherche dans les silences laissés par la littérature et la mythologie. Retracer l'enfance de Niobè, décortiquer les drames familiaux successifs, les amitiés bafouées, tout ce qui pourrait avoir provoqué l'acte de parole outrée, puis le mutisme. C'est dans le pou- voir des mots que je cherche une issue : quel endroit de parole peut susciter le meurtre ? Qu'est-ce que provoque la parole qui ne peut être lavé que dans la violence physique ? Niobè est présentée comme fille de, épouse de, mère de... Quelle est sa place de femme ?

Mon texte s'appuiera donc sur le masculin pour traiter du féminin, dans toute sa com- plexité. Pour répondre à ce qu'Eschyle a voulu énoncer du masculin, dans toute sa complexité, en s'appuyant sur le féminin.

Et je décide de construire la pièce en m'appuyant sur un vocabulaire de peintre, en res- pectant les fameux cinq actes de la tragédie, pour parler des deux silences de Niobé qui me semblent importants, à savoir celui qui précède le drame et celui qui le suit, dans l'avènement de la pétrification. »

La metteur en scène

Sandrine Roche est autrice, comédienne et met- teuse en scène. Elle s'installe à Bruxelles en 1998 et intègre l'école de théâtre Lassaad, à l'issue de laquelle elle devient comédienne. En 2001, le metteur en scène Barthélémy Bompard lui com- mande le texte Itinéraire sans fond(s). C'est ainsi qu'elle commence à écrire pour le théâtre. Elle cofonde en 2003 le collectif La Coopérative des Circonstances. En 2010, elle donne naissance au texte Neuf Petites Filles, Push & Pull. Elle termine en 2012 l'écriture d'Un silence idéal, deuxième volet de la trilogie Ma langue ! S'ensuivent Des cow-boys, Mon rouge aux joues, variations chromatiques sur le Petit Chaperon Rouge, et Feutrine, dernier volet de la trilogie Ma langue ! Elle termine en 2017 La gesticulation des vivants, le conte LA VIE DES BORD(e)S, La Disparition des Hippocampes, commande de la cie du Réfectoire pour le projet Si j'étais Grand et POUR TOM, commande de l'Académie de Seine et Marne pour Le Livre de l'Académie 2018. Elle porte à la scène au printemps 2022 CroiZades, premier volet du dyptique CroiZades. Elle a créé en 2008 l'association Perspective Nevski*, avec laquelle elle réalise un travail de plateau autour de son écriture : La Permanence des choses, essai sur l'inquiétude, en 2009 ; Je suis la sœur unique de mon chien et autres gâte ries... en 2010 ; Carne, partition pour voix, cordes et samples, en 2011 ; Neuf Petites Filles, une performance solo, en 2012 ; Ravie, en 2014 ; Des Cow-boys, 2015/2016, La VIE DES BORD(e)S, 2018, CHARABIA (Toad Movie), 2020, CROIZADES (Jusqu'autrognon), 2022, Peindre le Silence, 2023, CROIZADES (Jozef&Zelda), 2024…

Images du spectacle

Gibiers du temps d'après Didier-Georges Gabily | Mathieu Cipriani

2024-09-13T10:44:49Z

— information pratiques
— présentation du projet
— Images du spectacle

Informations pratiques

— Mise en scène : Mathieu Cipriani
— Représentations : du 2 au 6 mai au Théâtre Antoine-Vitez à Aix-en-Provence
— Assistanat à la mise en scène : Inkar Karimova, Jade Fournier (Master 1)
— Régisseuse générale : Lili Gilier
— Régisseuse : Hoëla Dorsaz
— Scénographie : Timothée Olive
— Médiation/Production/Communication : Morgane Racon
— Médiation : Jolie Van Wanrooij, Ayoub Baghbad Brahim
— Visuel : Justin Clifford Rhody
— Avec : Ayoub Baghbad Brahim, Clémentine Barry, Antonino Battaglia, Louise Bonnemaille, Mario Breut, Naré Hakboyan, Rachel Kakina, Joanne Landes, Charline Lesellier, Louane Levi, Matis Lombardi, Léna Michard, Camille Paulhe, Antoine Richard.

Présentation du projet

Ce spectacle interroge ce qu'il reste de la tragédie, du mythe et de l'amour de Phèdre dans Gibiers du temps de Didier-Georges Gabily. L'auteur affirme que dans cette histoire, les conflits du passé n'ont pas encore été réglés et que le moment est venu d'en éteindre définitivement les braises.

Selon les récits antiques, Phèdre est offerte par son frère à Thésée, roi d'Athènes. De leur union naîtra deux enfants : Acamas et Démophon. D'un précédent mariage avec une amazone, Thésée a un autre fils, Hippolyte, qui tient de sa mère la passion pour la chasse. Ce jeune héros honore Artemis et méprise Aphrodite. Celle-ci par vengeance déclenche alors, dans le cœur de Phèdre, une vive passion pour Hippolyte. Mais le jeune homme la repousse. C'est donc de ce désir inassouvi et de l'húbris de Phèdre que va découler la condamnation d'Hippolyte par Thésée libéré des enfers, condamnation qui entraînera l'inexorable mort du jeune héros.

Dans la trilogie de Gibiers du temps, l'ordre économique règne par le commerce des corps. Acamas et Démophon font désormais des affaires avec ceux « d'en bas » qui vivent d'expédients et de trafics, loin de la sphère du pouvoir, à la périphérie de nos villes. C'est là qu'habitent les nouvelles amazones nées de l'accouplement de Phèdre avec les remplaçants d'Hippolyte absent. Elles affrontent les hommes de main de « ceux d'en haut » pour se venger de l'humiliation que ces premiers leurs font subir. C'est dans ces bas-fonds, que la meute des hommes organise une battue pour offrir à Phèdre un nouveau prétendant en sacrifice. Le chasseur n'est plus Hippolyte et la proie n'est plus l'animal, mais Thésée, un gibier du temps. L'enfer qu'il vient de quitter n'a d'égal que la ville dont il est devenu un clandestin anonyme. Ses fils le donnent en offrande à leur mère et le cycle des répétitions qui enfermait Phèdre s'achève enfin.

Avec le sacrifice de Thésée, le monde ancien et le monde contemporain se donnent à voir simultanément. Le décalage entre les valeurs de la Grèce antique auquel le héros s'identifiait et la société contemporaine qu'il appréhende, la confrontation de ces deux réalités, de ces deux époques met en exergue ce qui les distingue. Le corps du texte se découpe ainsi en plusieurs plans d'énonciation qui vont de la conversation à la déclamation. Les acteurs doivent réussir à passer insensiblement de l'un à l'autre pour produire cet effet d'éloignement critique.

Sur la scène, la réhabilitation du héros tragique suppose en contre-point, la présence d'un chœur jouant « le public fictif d'un spectacle enchâssé ». Coupées du texte dramatique, les voix de ce chœur suspendent l'action pour évoquer une image passagère. À d'autres moments, en glissant sur les événements, elles font entendre une seconde parole qui reconstitue les morceaux de la fable comme le ferait un monteur de cinéma. Dans l'ombre, les voix du chœur peuplent la scène, interfèrent, commentent et fustigent. Elles chantent la mémoire des vaincus et leur deuil impossible. 

Mathieu Cipriani

Images du spectacle